Se va otra Estrella del Camino

Otro músico grosso que se va por estos días. :(
Para los que crecimos escuchando Deep Purple y enloquecimos con sus solos en Machine Head, va este reconocimiento para un grande del rock progresivo y heavy.
"Nos entristece anunciar la muerte de Jon Lord, de 71 años de edad, que hoy ha sufrido una embolia pulmonar fata en la London Clinic, tras una larga batalla con el cáncer de páncreas. Jon estaba rodeado por su familia", anunció su página oficial.

Murió Leda Valladares

Desde hace años la escritora, poeta y cantora tucumana de 93 años padecía mal de Alzheimer y vivía en un hogar de ancianos, en la Ciudad de Buenos Aires, donde falleció. Había nacido en Tucumán en 1919 y en su adolescencia comenzó a ser reconocida por sus composiciones de blues, boleros, baladas y canciones para niños, junto con María Elena Walsh.

Una de sus obras cumbre editadas entre los años 1960 y 1974 fue una serie de álbumes testimoniales y documentales, "Mapa musical argentino", a cargo del sello Melopea, de Litto Nebbia. Valladares tiene en su haber además inmortales obras de la talla de "Igual rumbo, grito en el cielo" (1989), "Grito en el cielo II" (1990) y la impecable "América en Cueros" (1992), por la cual fue declarada miembro de honor de la UNESCO.

Desde SADAIC indicaron que esperaban contactarse con los familiares de la artista para definir si su sepelio se realizaba de manera íntima o en una ceremonia pública organizada por la entidad.

Graduada en la Universidad Nacional de Tucumán con el título de profesora en Filosofía, también licenciada en Ciencias de la Educación, Valladares comenzó a destacarse desde joven en el ámbito de la música. Luego de incursionar en expresiones vinculadas al jazz, integró el grupo Folklóricos, Intuitivos, Originales y Surrealistas (FIJOS), para, en la década del '50, coincidir en París con la cantautora María Elena Walsh, con quien recorrió Argentina y Europa para presentar su obra.

León Gieco, por su parte, rescató que Valladares "siempre incito a hacer canto colectivo, que es lo que ella practicó en plena dictadura militar, cuando reunió cientos de chicos con maestras cantando bagualas y vidalas", y subrayó que fue "una de las transgresoras más grandes que tenemos".

Entre su discografía se destacan Chants d'Argentine (1954), con María Elena Walsh, Entre valles y quebradas, 1 y 2, ambos de 1957, Canciones del tiempo de Maricastaña (1958), y Canciones para mirar (1962), mientras que en cine participó de "El canto cuenta su historia" (1976).

Personalmente fue una gran influencia, me hizo incorporar y disfrutar esa genial música que son las bagualas y las vidalas, disfruto escucharlas e interpretarlas en las escuelas junto a mis alumnos de todas las edades; y saben que ¡¡les gusta!!

Walter Abadie

Chau Juan Alberto !! Nos seguirás haciendo compañía por siempre !!

CHICK COREA - STANLEY CLARKE & LENNY WHITE presentan "FOREVER" el Miercoles 6 de Junio a las 21 hs. en el Teatro Gran Rex

A la salida del concierto compartiendo con amigos

BUDDY GUY - Miércoles 16 de Mayo en el Gran Rex

NOTA

Increíble recital del maestro del blues de Chicago es el que el miércoles 16 presencié en un Gran Rex repleto como nunca, ya en la boletería estaba el cartel de Sold Out – Entradas Agotadas.
Acompañado por el virtuoso Rick Hall en guitarra, Marty Sammon en piano y órgano eléctrico, Orlando Wright en bajo y Tim Austin en batería, Buddy Guy ofreció un concierto marcado por el juego, el diálogo con el público, la exposición de una serie de recursos guitarrísticos superlativos y un registro vocal excepcional. Con una capacidad única para trabajar registros casi susurrantes y saber tocar y cantar cerca del silencio combinado con estridencias ensordecedoras aún dentro de un mismo tema, Guy desplegó todo su magnetismo. "Someone else is steppin", "Fever" y "74 Years Young", fueron algunos de los temas que Buddy Guy sacó del repertorio y con los que desplegó una artillería de recursos guitarrísticos y vocales sorprendentes. En el medio, realizó un tributo a los grandes guitarristas del género, discípulos que lo adoran y adoraron algunos, pares de viejas épocas otros, tocando partes de temas emblemáticos, imitando sus estilos, riendo y trayéndolos otra vez a la memoria. Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan, con un segmento de "Voodoo Chile", Albert King con "Blues Sunrise", BB King con la versión original de "Sweet Sexteen", "What I Say", de Ray Carles, "Miss You" de los Rolling Stones, la introducción de "Cocaine" de Eric Clapton, fueron los temas elegidos para un momento celebratorio.
"Going Down", "Skin Deep" y "Let me love you", fueron canciones que eligió para el cierre, en un concierto donde el publicó deliró con la esencia del blues y de la música en si.

Walter Abadie

BUDDY GUY en el Gran Rex el 16/05/12

ACERCA DE BUDDY GUY

“Cuando tenía 21 años”, dice Buddy Guy, “algunos de mis amigos más grandes, que hoy no están con nosotros, me decían: “Aún sos un nene”. Y luego ellos me dijeron lo mismo cuando tenía 31 y también a los 41, y pensaba “Hombre, ¿cuándo voy a envejecer?” Vengo escuchando eso desde la primera vez que fui a Chicago. Con este Nuevo álbum, “Living Proof”, Guy hace un análisis detallado de una vida extraordinaria. A los 74 años, fue galardonado y es parte del Rock And Roll Hall Of Fame, la mayor influencia en “titanes” del rock como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, un pionero del “Chicago´s West Side Sound” y un link viviente con los días felices de esa ciudad de blues eléctrico. Buddy ha recibido 5 Premios Grammy, 23 W.C. Handy Blues Awards (el mayor número de premios que cualquier artista haya recibido), distinguido por la revista Billboard con el Century Award por sus logros artísticos y el Presidential National Medal Of Arts. La revista Rolling Stone lo seleccionó en el Top 30 de los “100 Grandes Guitarristas de todos los Tiempos”. Sin embargo, como la primer canción del álbum declara, hoy Buddy Guy es “74 Years Young” (74 años joven), sigue buscando nuevos sonidos e ideas frescas. El inicio de cada nueva década siempre parece inspirarlo (ver 1981 Stone Crazy, 1991 Damn Right, I Got The Blues, y 2001 Sweet Tea), y en Living Proof, algunas canciones como “Thank Me Someday” y “Everybody´s Got To Go” son meditaciones personales sobre su pasado, su legado y su mortalidad. Guy dice: “La vida que viví es sobre lo que cantamos”. “Esas canciones son exactamente lo que pase a través de mi vida, lo que experimente”. Buddy le da créditos al productor/baterista Tom Hambridge (quien coescribió las canciones de Living Proof, y quien por su parte trabajo con artistas como Johnny Winter, Delbret McClinton, y Susan Tedeschi) ya que con su ayuda pudo capturar y preservar sus pensamientos más íntimos. “Venia con una libreta y un lápiz” dice el guitarrista, “y mientras hablábamos, el escribía cosas y le dije que hagamos canciones de esas palabras”. Aún herido por las restricciones que el legendario Chess Records le puso durante su juventud (“ellos decían que solía tocar muy ruidosamente, y no me dejaban soltarme como yo quería”), Guy también dice que su música se continua beneficiando desde el soporte de su compañía discográfica y del equipo que lo rodea. "Estos muchachos decían: “Es tu guitarra, tu estudio, solo tenes que ir y ser Buddy Guy” – y he estado tratando de hacer eso por 50 años” dijo Guy. “Tengo la libertad de tocar, con solamente yo para decirme, “Déjame intentarlo de nuevo”. Pensar que Buddy Guy será por siempre asociado con Chicago, pero su historia comienza en Louisiana. Uno de cinco hijos, el nació en 1936 en una familia de aparceros y criado en una plantación cerca de la pequeña ciudad de Lettsworth, ubicada a unas 140 millas al noroeste de New Orleans. Buddy solo tenía 7 años cuando creo su primera guitarra improvisada – un artilugio de 2 cuerdas unidas a un pedazo de madera y asegurada con las horquillas de pelo de su madre. En “Thank Me Someday”, el hace un recuento de sus primeros esfuerzos con el instrumento, y su habilidad para mantener la fe cuando su familia lo hecho de su casa por hacer ruido. “Voy a ir al parque, en el dique, a practicar” decía. “No teníamos luz eléctrica o agua corriente – podías escuchar esa guitarra a una milla de distancia, así que tenía que hacer un largo camino, lejos en donde nadie dijera “Ándate de acá con ese ruido!”. En 1957, llevo su guitarra hacia Chicago, donde cambiaria permanentemente la dirección del instrumento. Su estilo incendiario – aún se evidencia en todo “Living Proof” – deja su marca en guitarristas que van desde Jimmy Page a John Mayer. “Él fue para mí lo que Elvis haya sido probablemente para otra gente”, dijo Eric Clapton cuando Guy fue elegido para ser parte del Rock and Roll Hall of Fame en el año 2005. “Mi curso se estableció, y él era mi piloto”. Aunque el nombre de Buddy Guy estará siempre asociado con el Blues, estas canciones ilustran el verdadero rango de su manera de tocar. Canciones como “Much Too Soon” y el candente instrumental “Skanky” llegan directamente fuera de la tradición del rhythm & blues. Para Guy, sin embargo, tales distinciones de género son ideas de sentido de último momento. “Antes de los 60´s, siempre éramos solo interpretes de R&B,” dice Guy. “Luego ellos nos etiquetaron –eso era Chicago Blues, Memphis, Motown, por lo que fuimos considerados interpretes de blues. Pero en Chicago, si vos buscabas mantener tu actuación, tenias que ser capaz de tocar todos los temas principales de la rockola, eso era Lloyd Price o Fats Domino o Ray Charles. Ahora si vos tocabas una canción de Little Richard, la audiencia te miraba como si estuvieras loco, pero siempre tenía que hacerlo para el público negro en aquel entonces. Quizá la marca más significante en Living Proof es que por primera vez, el incomparable B.B. King se detuvo para tocar y cantar en un álbum de Buddy Guy. Los dos gigantes recitaron la introspectiva “Stay Around A Little Longer” como los viejos amigos que son – pero Guy aun no toma esa relación con el Rey del Blues por aceptada. “B.B. creo ese estilo que todos tocamos en la guitarra”, dice. “Crecí escuchando a gente como él, T-Bone, Wlaker, Muddy Waters, y todavía tengo el 95% de mi forma de tocar de él. Así que tener a alguien como el en el estudio hace que se te ponga la piel de gallina.” El otro invitado de Living Proof es Carlos Santana, quien se unió a Guy en la seductora “Where The Blues Begins.” Vale la pena destacar que él y Junior Wells hicieron el cover de la canción “Vera Cruz” de Santana hace más de tres décadas, Guy dice, “Cuando estoy tocando con alguien tan bueno, tengo que cerrar los ojos y decir, “Aquí voy!”. Al preguntarle que es lo que exactamente el considera a su disco “Living Proof”, Buddy Guy responde modestamente- el no menciona su talento o su influencia, sino que se concentra en su perseverancia. “Sabes la cantidad de tipos que empezaron conmigo y debieron abandonar?” dice Guy. “Mi primera esposa me dijo una vez, “Soy yo o tu guitarra”, y elegí mi guitarra y me fui. Aún nos reímos de ese episodio. “El otro día, escuche decir a B.B. King, “No puedo parar, porque todavía sigo pensando de que hay alguien allí afuera que aun no sabe quién soy. “Pero, sabes, los intérpretes de blues no paran, se dejan caer. Es como lo que mi madre solía decir acerca de la religión – Estoy demasiado lejos para dar la vuelta!”

John Zorn - Masada - en Buenos Aires

El genial saxofonista, compositor y arreglador llegará por primera vez a Sudamérica y realizará una única función en Buenos Aires el jueves 15 de marzo en el Teatro Coliseo junto a Masada, el grupo más emblemático de su extensa y prolífica carrera. El cuarteto está integrado por John Zorn en saxo, Dave Douglas en trompeta, Greg Cohen en contrabajo y Joey Baron en batería.

Sin dudarlo estamos en presencia de uno de los acontecimientos musicales del 2012 a partir del enorme prestigio que el músico neoyorquino fue acrecentando desde su álbum “The Big Gundown: John Zorn Plays the Music of Ennio Morricone” editado en 1985 por Nonesuch. Fue el creador de la denominada “downtown music” un verdadero movimiento de vanguardia que tuvo sus orígenes en los oscuros clubes de jazz de Nueva York como el mítico Knitting Factory y más tarde en Tonic.

Más allá de ser un brillante saxofonista, dueño de un estilo impar llegando a notas casi inalcanzables para cualquier otro intérprete calificado, es un compositor incansable que no deja de sorprender con obras maestras que entrega en sus variados proyectos que van desde el avanti garde, jazz, surf, hardcore, klezmer, jazz metal, free jazz, contemporánea, música de cámara, conciertos para piano, soundtracks, … Cada grupo representa una de las facetas estilísticas que Zorn fue desarrollando desde sus comienzos en la música: Naked City, Pankiller, Cobra, Bar Kokhba, Masada, Electric Masada, The Dreamers…En alguno de ellos solo se encarga de la producción y dirección musical y deja la ejecución en manos de los brillantes interpretes que siempre tuvo a su lado y que disfrutan trabajar bajo sus ordenes: Mike Patton, John Medeski, Marc Ribot, Bill Frisell, Fred Frith, Ikue Mori, Dave Douglas, Jamie Saft, Greg Cohen, Cyro Baptista, Uri Caine, Joey Baron, etc.

Su primer encuentro con la música judía se plasmó con la edición “Kristallnacht” (una representación musical de “La noche de los cristales rotos” ocurrida en Alemania en 1938 cuando los nazis atacaron los negocios y casas de la comunidad judía). Tiempo después fue uno de los fundadores y director del movimiento “Radical Jewish Culture” (Cultura Radical Judía) que preparó el camino para su nuevo proyecto: Masada, un grupo de jazz tomando como modelo el cuarteto original de Ornette Coleman.
El cuarteto acústico Masada es su obra maestra y un claro ejemplo de su búsqueda musical donde se conjugan la música judía de sus ancestros, el jazz y la improvisación. Para llevar adelante este proyecto seleccionó a músicos excepcionales que cuentan con la capacidad y el talento para integrarse en un combo imbatible dentro del jazz de los últimos tiempos. Hablamos de Dave Douglas, elegido en varias oportunidades como el mejor trompetista y músico de jazz del año, Greg Cohen, un virtuoso del contrabajo e integrante de la banda de Tom Waits, y Joey Baron, una verdadera aplanadora con su batería.

En la década del ’90 crea su propio sello Tzadik donde lleva editados más de 200 álbumes e incluye material original y provocativo de su autoría y de artistas que tienen su impronta creativa y de búsqueda permanente como Bill Laswell, Wadada Leo Smith, Steven Bernstein, Dave Douglas, Laurie Anderson, Lou Reed, Eyvind Kang ó Dave Douglas.

Charly García: Spinetta era además de un ídolo, un amigo

Charly García habló por primera vez después de la muerte de Luis Alberto Spinetta y aseguró que "era además de un ídolo, un amigo" y "la única persona dentro del rock a la que realmente admiraba". El músico consideró que Spinetta deja "un agujero casi imposible de llenar".
Luego de tocar en el festival de Cosquín Rock, donde lo homenajeó, García habló sobre su colega y afirmó: "Yo siempre tuve una gran admiración hacia él, fue uno de los primeros que me alentó cuando empecé en esto y con el tiempo, nos convertimos en grandes amigos".
En declaraciones a radio Mega 98.3, Charly señaló: "Ahora me siento un poco solo porque era la única persona dentro del rock que yo realmente admiraba, sin desmerecer a nadie, por supuesto. Pero me parece una cosa tremenda y deja un vacío".
García, que compuso "Rezo por vos" en dupla con Spinetta, destacó el aporte que el líder de bandas como Almendra y Pescado Rabioso hizo a la música local: "Fue un inventor, un tipo que agarró elementos de aquí y de allá, los fusionó para crear algo que no existía, la poesía del rock en castellano. A mí me inspiró mucho. Yo pienso que sin él hubiera sido todo distinto".
Por último, recordó la canción "Rezo por vos", que compusieron en conjunto, y la señaló como "un buen ejemplo de la unión" entre ambos. "Me parece un gran tema y tiene elementos míos y elementos de él. Creo que es el mejor ejemplo de la fusión, no?", resumió.

La Carta de Aznar: "Cambiaste nuestras vidas abiréndole camino a la imaginación"

Pedro Aznar tributó a Luis Alberto Spinetta, a través de su muro de Facebook en donde ubicó un extenso y sentido texto.

"Hoy todas las guitarras están de luto. La mía, que tendría que haberse puesto a repasar zambas sólo puede pensar en la tuya, tal vez porque el barro tal vez porque este balcón donde te vi casi por última vez mira una nube de la forma y el color de esas eléctricas con las que soñábamos de chicos.
Este balcón que se quedó... esperando una charla unas palabras o un abrazo más que ya no llegará. Luto también en las palabras habituadas como estaban a que les pusieras cascabeles guirnaldas asonantes o ruedas de tren apocalíptico caleidoscópicos ojos de fértil papel de tu prolífica pluma que suma y resta sílabas del metro patrón de las esferas apenas solas a solas penas.
Adiós que sea A-Dios a sus brazos a ese rincón de magia que seguramente El guardará para los que se animan a jugar con los bloques con los que ha construido el mundo haciendo pequeños nuevos mundos de cuatro minutos donde el corazón se muestra y baila desafiando al vacio.
Adiós mientras me duele el pecho te imagino en viaje por inmensidades más vastas que las del Capitán pero a diferencia de él sé que tendrás todos los tangos silbados al oído y nunca faltará un mate ni perfume a malvones En todos nosotros se queda un pedacito tuyo serás inspiración multiplicada por millares a lo largo de los años y lo ancho de las geografías.
Cambiaste nuestras vidas abriéndole camino a la imaginación cantándole salvaje o dulcemente a los misterios que nos habitan al misterio que somos. Adiós. No me resigno a tener que decirlo. Adiós mensajero del infinito".

CARTA PARA LUIS ALBERTO

Hoy es todo Luis Alberto, hoy en el dolor, pero hace 30 años que cada día de su música es felicidad, si, 30 años pasaron desde aquellos primeros momentos de mi adolescencia con mis primeros cassettes: una recopilación de Almendra, Pescado 2 y Bajo Belgrano y Mondo Di Cromo que recién salían; temas sueltos que me llegaban: Barro tal Vez, La Herida de París, etc.
Spinetta Jade presenta nueva formación y anticipa Madre en Años Luz, mi primer concierto, el corazón se me salía del lugar, para el bis (Ludmila) con la inocencia de la edad voy al pie del escenario, con esa misma inocencia y desverguenza de la edad voy a los camerinos y le pido al Flaco que me firme una foto, y el corazón se me salía, allí estaban Pomo, Epumer, Franov y el Mono Fontana pero solo tenía ojos para el Flaco aunque pocos años después esos músicos me llevarían por otros caminos. Luego de esa noche se transformaría en mi ídolo por siempre, si, por siempre, porque uno tiene ídolos de adolescencia pero él evolucionó permanentemente, nunca tuvo techo, así que mientras yo crecía él también lo hacía.
Pasaron los años y tuve todos los cassettes y discos, me acuerdo de los difíciles o muy caros como Alma de Diamante u Only Love Can Sustain; luego cuando llegó el cd también los tuve en ese formato.
Nunca me dejó de sorprender, siempre escuché todo, desde Almendra pasando por Jade, Pelusón, Don Lucero, Silver Sorgo… Así llega Un Mañana, su último disco, uno de los mejores.
A fines de 2010 pude verlo en el Teatro Colonial de Avellaneda donde tocó temas de todas sus épocas y donde pude rememorar y (ahora) cerrar el círculo de aquella primera presentación en el ex Cine Mitre de Avellaneda que tanto marcó mi vida.
Flaco: ¡¡Gracias por esos discos y esas canciones que me hicieron tan feliz durante toda mi vida!!

Walter Abadie

Carta de Luis Alberto Spinetta respecto a su actual estado de salud

Mi nombre es Luis Alberto Spinetta.

Tengo 61 años y soy músico.

Desde el mes de Julio sé que tengo cáncer de pulmón.

Estoy muy cuidado por una familia amorosa, por los amigos del alma, y por los mejores médicos que tenemos en el país.

Ante el aluvión de información inexacta, quiero aclarar públicamente las condiciones de mi estado de salud.

Me encuentro muy bien, en pleno tratamiento hacia una curación definitiva.

Quiero agradecer a todos por la buena onda que he recibido, y pedirles que no paniqueen, y no tomen en cuenta las noticias que han generado los buitres de turno.

No tengo ninguna red social, ni Twitter, ni Facebook, etc, por lo tanto todo lo que lean al respecto es falso.

Pertenezco a Conduciendo a Conciencia, y les recuerdo que ahora en las fiestas, si van a conducir no deben beber.

Gracias. Los quiero mucho. Felices Fiestas.

Luis

RICK WAKEMAN en el Gran Rex

Nota
No tengo mucho para decir; Wakeman genial al piano acústico nos deleitó con sus composiciones acompañado del Director Guy Protheroe dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Buenos Aires y el Coro de Buenos Aires, en un show que tuvo como base la obra Viaje al Centro de la Tierra, obra literaria de Julio Verne que Wakeman musicalizó allá por 1972 y que fue el disco de Rock Sinfónico que mas vendió en la historia. En el medio de su música hubo lugar para una obra de dos composiciones de The Beatles, Help (casi irreconocible) y Eleanor Rigby. Fue raro ver y oír a Wakeman sin su parafernalia de teclados, inclusive todos lo que estuvimos ahí nos habrá pasado lo mismo: escuchamos los discos tantas veces durante toda la vida que las partes rock que faltaban las completábamos y escuchábamos igual en nuestras cabezas.
Para el final un público que fue respetuoso del concierto “clásico” estalló en ovaciones, gritos y aplausos para que Wakeman saliera una y otra y otra vez hasta agotar stock.
El próximo sábado 3 de diciembre ofrecerá una nueva función, el que no pudo ir a esta o quiere repetir tendrá su oportunidad de hacerlo, después no digan que no les avisamos.

Walter Abadie

NELLY OMAR: 100 AÑOS EN EL LUNA PARK

Y al final, el 11-11-11 ocurrió…el milagro? Algunos esperaban la llegada de algo malo, otros, todo lo contrario, algunos llenaron las inmediaciones del Cerro Uritorco esperando recibir algún tipo de energía. Y entonces, al final, la energía llegó al Luna Park donde una mujer de 100 años daría un genial y emotivo concierto, este hecho, como dijo la locutora del evento, fue único en la historia de la humanidad.
Nelly Omar, quien hace pocos días cumplió 100 años, brindó un show emotivo hasta las lágrimas, todos los que estuvimos ahí fuimos a recibir esto, palo, palo y palo de emoción sin fin.
La primer parte del espectáculo fue por parte de los invitados; una hora, primero con seis extraordinarios payadores que se fueron en elogios para Nelly Omar a través de sus Cifras. Luego un muy buen quinteto comandado por la violinista Erica Di Salvo hizo de cortina para que Juan Carlos Copes y su Ballet se lucieran.
Luego de emotivas palabras y fotos históricas sale a escena Nelly Omar. Cada palabra suya, cada gesto, cada anécdota que contaba estaba cargada de humor y emoción, y agradecimiento a su público “ustedes si que me quieren eh, sinó como se van a bancar estas desafinaciones y olvidos”, pero todo estaba permitido, era una fiesta mas que un concierto; de hecho después de los dos primeros temas se acomodó y cantó extraordinariamente bien un repertorio de grandes hits pedido por el público al cual ella cedía inmediatamente “(Desde el Alma se escuchaba del público) quieren Desde el Alma, ahí va!!)” y así con muchos otros. Personalmente, por ejemplo, la versión de Jacinto Chiclana fue una de las mejores versiones que jamás escuche, temas como Amar y Callar o Desde el Alma me emocionaron mucho porque me hicieron recordar a mis comienzos tocando tango.
Una hora Nelly Omar de 100 años estuvo arriba del escenario del Luna Park entre tangos, milongas, valses y hasta hubo lugar para una zamba. Para el cierre recibió 3 sorpresas: una carta de Horacio Guarany (su gran amigo) desde Neuquén, una placa recordatoria del Luna Park por ser esta presentación un hito en la historia del gran coliseo, y lo que soñábamos, una gran torta con el nº 100 y cantarle el Feliz Cumpleaños. Como bis quedó un final muy peronista que era inevitable pues ella es la voz de Los Descamisados y muchos se lo pidieron a gritos toda la jornada, así que, todo bien, todos contentos, está bien. Y se fue nomás con pasitos cortos como entró, aplaudida y ovacionada hasta el cansancio.

FUI TESTIGO DE UN HECHO HISTÓRICO Y PRESENCIÉ UN GRAN SHOW; Y LE CANTÉ EL FELIZ CUMPLEAÑOS Nº 100 A NELLY OMAR, LO LEO Y TODAVÍA NO LO PUEDO CREER.
Y OTRA VEZ EL TANGO ME HACE FELÍZ, POR ESO VIVA EL TANGO!!! Y VIVA NELLY OMAR!!!
WALTER ABADIE

Primer plano / Francisco Pesqueira

Hoy estrena un unipersonal musical y sigue con Carne de Crítica
Por Laura Ventura | Para LA NACION

Susurrando palabras mágicas, como un chamán, Marilina Ross se acercó a un niño de 13 años, y le dijo: "Estás enfermo, pero sólo en la cáscara. Pronto te vas a recuperar". Ese chico creció sano en Córdoba, entre sus padres gallegos, y sus cuatro hermanos, y hoy les rinde homenaje a aquella artista y a otros intérpretes que marcaron su destino. En Te doy una canción (con el alma toda) , Francisco Pesqueira despliega sobre el escenario la banda sonora de su vida, como él define.
"Es un reencuentro con lo pequeño y lo íntimo", dice Pesqueira, que viene de un año intenso que comenzó con El patio de la Morocha , junto con Susana Rinaldi. Luego, participó de varios capítulos del radioteatro Secretos argentinos . Además, este artista completo participó del workshop del musical Gardel , con Guillermo Fernández, dirigido por Claudio Gallardou, que busca un productor para poder llevar a escena el año próximo.
Pesqueira partió más tarde por las rutas del Sur con Carne de Crítica, el grupo que integra desde hace diez años con Claudio Pazos, dirigido por Carlo Argento. "Tenemos esa cosa de cómico de la legua, un formato de compañía que arma las valijas y sale a la aventura." Carne sola (o Doña Rosita, el soltero) , ganador del ACE al mejor espectáculo de humor 2010, es la sexta y última obra de la compañía que, a fin de año, para celebrar una década de vida, presentará un disco con su recorrido musical.

MELANCOLÍA DE HOMBRE FELIZ
En simultáneo, hace diez años, mientras era swing (reemplazo de todas las figuras masculinas) deLos miserables , Pesqueira llevó a los escenarios, junto con el pianista Ramiro Pettina, Soñé que te soñaba , basado en las poesías de Antonio Machado y música de Serrat, Cortez y Aute.
Ahora se reencuentra con Pettina para realizar un homenaje a todas esas canciones e intérpretes que lo marcaron a fuego: "El primer nombre que apareció fue el de Atahualpa. Con Ramiro hicimos un trabajo muy intenso para que las canciones no fueran iguales. Son temas muy conocidos, que vamos poniendo en contexto".
Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Charly García, María Elena Walsh, Eladia Blázquez, Violeta Parra, Silvina Garré y Celeste Carballo, entre otros, recorren esta travesía de experiencias, confesiones y momentos íntimos. "Es un espectáculo melancólico por momentos, aunque la melancolía tiene mala prensa", opina quien se considera una persona feliz.
Celeste Carballo fue otra de sus grandes influencias. Aún atesora el autógrafo que hace 30 años le firmó la cantante cuando estaba de gira por Córdoba. "Le toqué la puerta de la habitación del hotel y me recibió con el pelo mojado, recién salida de la ducha. No entendía qué hacía allí un niño fan."

COMO LA CIGARRA
Precoz, a los seis años decidió que quería estudiar actuación con Carlos Gandolfo. "Leía sobre él en las revistas. En mi casa, eran muy amantes del teatro y cada vez que venía una compañía a mi ciudad, la íbamos a ver." Luego su sueño se concretó y no sólo estudió con aquel maestro de maestros, sino que se convirtió en su asistente durante cuatro años. "Fue Gandolfo quien me dio herramientas para poder cantar, a hacerlo desde el corazón, y a admitir que tenía que hacer humor."
Cuando terminó el colegio, se mudó a Buenos Aires. No probó suerte, logró integrar los elencos deZorba , El burgués gentilhombre , El Dibuk , Pepino el 88 , El romance del Romeo y la Julieta , Los indios estaban cabreros , 30 días y Rey Lear , entre tantas otras.
"Cuando era más joven, quería ser Eleno Tasisto", cuenta entretenido. "Hoy estoy más tranquilo con mis sueños. Quiero trabajar e ir construyendo mi profesión como un obrero. No tengo otro sueño que la continuidad del trabajo", confiesa.

PARA AGENDAR
Te doy una canción (con el alma toda) : en El Búho, Tacuarí 215. Domingos, a las 19. Carne sola (o Doña Rosita, el soltero) : En La Comedia, Rodríguez Peña 1062. Lunes, a las 21..


NOTA:
Francisco logra una atmósfera íntima y nostálgica con canciones que todos los que andamos por los 40 alguna vez escuchamos o son parte de nosotros. Logra combinar temas de diferente extracción como Piedra y Camino de Atahualpa Yupanqui, La Maza de Silvio Rodríguez, Media Verónica de Andrés Calamaro y Con el Agua en la Boca de Marilina Ross (que también son las que mas me gustaron), en un camino que no es mas que la “banda sonora de nuestras vidas”, por ser humilde y no ponerle “de mi vida” por considerar que estas canciones son de todos nosotros.
También encontró en su compañero pianista Ramiro Pettina un socio calmo y relajado que tiene todo que ver con este recorrido.
Ojalá mas músicos entendiéramos el concepto teatral, porque eso nos llevaría a ver (y no solo a escuchar) mejores shows, como este.
WALTER ABADIE

Nelly Omar hoy cumple 100 años

La cantante de tangos Nelly Omar, inmensa última sobreviviente de una generación dorada de artistas populares habitada por nombres como los de Tita Merello, Azucena Maizani, Libertad Lamarque y Ada Falcón, hoy cumple 100 años y promete un concierto para octubre en el Luna Park.

Nacida como Nilda Elvira Vattuone en la localidad bonaerense de Bonifacio pero inscripta y criada en Guaminí, donde vivió hasta los 11 años cuando fallece su padre y se traslada a Buenos Aires con su madre y 10 hermanos, Nelly Omar no es solo un nombre fundamental de la música popular argentina sino que materializa en la actualidad la pervivencia de una memoria afectiva ligada al primer peronismo.

Voz protagónica y central del tango y la canción criolla en las décadas del 40 y el 50, su adhesión al peronismo le valió proscripción y listas negras, estando prohibida en radios y teatros luego del golpe de Estado de la autodenominada Revolución Libertadora.

“Estuve 17 años sin trabajar porque me metieron en una lista negra impuesta por la revolución fusiladora, por ser peronista de Perón y amiga de Evita, una mujer con gran personalidad que se fue demasiado pronto cuando tenía mucho por hacer”, recordó años atrás en un reportaje con Télam. Y agregó: “Como feliz o desgraciadamente no tenía a nadie a quien darle de comer, porque no tengo hijos, me las fui arreglando sola. Pero claro, tuve que vender el piano”.

Bautizada en 1938 en Valentín Alsina “la Gardel con polleras”, gracias a una voz prístina, un fraseo claro, aguerrido, firme y sin afectaciones ni subrayados, Nelly Omar prefiere llamarse a sí misma “cantora nacional”.

Protagonista indiscutida de la historia musical de la Argentina y figura legendaria de un país que creció de pronto, cuando supo abrazarse al afecto de los humildes, Nelly Omar parece uno de esos personajes llamados a habitar para siempre la memoria inextinguible de su pueblo.

Definiendo a los capos del Tango

Pienso en los Capos del Tango y como definirlos con una palabra:
CARLOS GARDEL: IDOLO (lo mas grande, un todo)
ANIBAL TROILO: TANGO (con todo lo que ello implica)
ASTOR PIAZZOLLA: GENIO (un genio al servicio del tango y de toda la música)
OSVALDO PUGLIESE: ORQUESTA (el grandioso sonido de la típica)
HORACIO SALGÁN: FINEZA (la frutilla de la torta, también pensé en Sutileza y Perfección).
Walter Abadie

Greg Howe en Argentina

Greg Howe estará de visita por la Argentina para presentar su último trabajo “Sound Proof “, disco que fue aclamado por la prensa mundial. El guitarrista se presentará en esta ocasión junto al bajista Stu Hamm y el baterista Italiano Gianluca Palmieri, el jueves 8 de septiembre a las 20.30 hs. en el Teatro ND Ateneo. Precios: desde $120 a $200.

John Scofield en Argentina

NOTA
Nuevamente John Scofield dió acabadas nuestras de ser uno de los referentes del jazz mas importantes del mundo. Dueño de un sonido particular y cargado de historia abordó largas improvisaciones en cada tema que no duró menos de 10 minutos cada uno. Bill Steward también es maravilloso en su sonido y su trabajo desde la batería. Se lucieron los dos nuevos músicos de Scofield, el pianista Michael Eckroth y el contrabajista Ben Street, ambos tocaron poco y mucho cuando era el momento de hacer cada una de esas cosas, ambas siempre difíciles. En un show de dos horas exactas, incluyendo el bis, se pudo ver lo mejor del jazz. Muchas palabras mas no me salen pero disfruté muchísimo de esta 3º vez consecutiva que lo veo a John y lo sigo disfrutando.
Walter Abadie

En Conmemoración al Día Mundial de Folklore

Instituto de Folklore y Artesanías de Avellaneda
“En Conmemoración al Día Mundial de Folklore”
Encuentro con la participación de conjuntos de música y danzas, participarán: Conjunto infantil de danza del IFAA, Conjunto juvenil de danzas del IFAA, Taller de instrumentos autóctonos del IFAA, Grupo de danzas de la sociedad mutual yugoslava Nas Dom, Grupo de danzas Aromazul, Taller de Danzas Africanas de Ilê Cultural, Taller de Danzas Afrocolombianas del CC La Usina, música de Brasil y la participación especial de Omar Moreno Palacios.
Fecha: Martes 23 de Agosto
Horario: 20 hs.
Lugar: Teatro Roma – Sarmiento 109 – Avellaneda

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Festival y Mundial de Tango de Buenos Aires 2011

NOTA: UN DÍA EN EL FESTIVAL

Con la premisa de que cada año me preparo para disfrutar aunque sea un día de los quince que propone el Festival de Tango de Buenos Aires, el Sábado 20 me preparé para una maratónica dosis de tango: poder ver una tras otra a las orquestas de JOSE COLANGELO y ERNESTO BAFFA, a la Orquesta Típica de LEOPOLDO FEDERICO y la Orquesta EL ARRANQUE.
Rondando las 5 de la tarde recorría el predio y me fui acomodando hasta que a las 18 JOSE COLANGELO se hizo presente con su quinteto, una verdadera selección de tango con Colangelo en piano, Horacio Romo en bandoneón, Pablo Agri en violín, , Ariel Russoniello en cello y Daniel Falasca en contrabajo. Arrasador!! Colangelo en su papel de showman entretuvo al público que aplaudía la excelencia de la música y se sentía partícipe de lo que pasaba arriba. Dividieron la temática en dos partes: temas que habitualmente hacen y homenaje a Pichuco, que era la premisa del concierto. Promediando entra su mujer y cantante Gabriela Rey la cual le pide públicamente a Colangelo que explique la ausencia de Baffa, quien estuvo ausente por serios problemas de salud.
Luego de una hora de concierto hubo tiempo para moverse y para alguna foto.
A las 20 puntual se abre el telón y arranca la Orquesta de LEOPOLDO FEDERICO.
Increíbles momentos de música donde uno no deja de sorprenderse de lo rico y complejo que son el tango y sus músicos. Una orquesta recontra estable desde hace años suena así, impresionante y ajustadísima. Los músicos de la orquesta son casi todos lo que cada tanto integran la Selección Nacional de Tango, así que con esto está todo dicho. El gran premio se lo lleva NICOLÁS LEDESMA, que como venía escuchando hace tiempo atrás en los discos nuevos de tango, junto con Cristian Zarate son los mejores pianistas del género en la actualidad. Entre LEDESMA y HORACIO CABARCOS en contrabajo sumado a toda la línea de cuerdas y fueyes parecía que venía una tromba ¡¡Correte que pasa el Tanque!!
Luego de finalizar el concierto parecía que ya nada mas podía suceder, y de hecho fue así.
Me di el gusto de escuchar en vivo tipos que vengo escuchando en los discos como FEDERICO, LEDESMA, COLANGELO, FALASCA, CABARCOS, AGRI y DAMIAN BOLOTÍN.

Sin embargo por alguna decisión organizativa, todo seguía en continuado en el mismo escenario, así que sigamos de fiesta, aparte me faltaba El Arranque.
Lidia Borda subió junto a su guitarrista, Rolón (no me acuerdo el nombre de pila) a presentar una Selección Gardeliana. No me gustó de entrada, no sabía si era por todavía el efecto Federico, pero la guitarra se escuchaba sucia y demasiado simple, casi de fogón, tampoco pienso que todos deben rellenar como Juanjo Domínguez o Morgado porque tampoco me gusta, pero… subí un poquito el nivel. El timbre de voz de Borda me resultó chillón, me hacía acordar a las clásicas cantoras de los ’30. A tres cuartos del show cambió el guitarrista por el Cuarteto La púa como sorpresivos invitados, los cuales me interesaba escuchar; buenísimo, re-ajustados, agendando! Lo que le tengo para elogiar a Lidia Borda es que hizo un show de abajo para arriba (o sea sin altibajos) y la verdad que salir después de la Orquesta de Federico, sola con una guitarra, hay que aguantárselas.
Enseguida salió Leo Masliah, solo y luego incorporó a su muy buena cellista y cantante Lucía Gatti. La verdad es que a Masliah no se le entiende nada y aburre, por momentos te arranca alguna sonrisa pero nada más, y en el plano compositivo instrumental muestra algunos aspectos interesantes.
Pero para esta altura ya todo estaba corrido como una hora de lo programado, caía el frío, la gente se empezó a aburrir y de a poco se fue yendo. Al final pasada las 23 salió todo El Arranque, que ya algunos integrantes habían compartido obras con Masliah, lo de El Arranque es para criticar en una nota aparte.
En síntesis, no es ni la sombra de la orquesta original con Ardit y Ramiro Gallo (hoy exitosos solistas) y ni siquiera se puede comparar con la “nueva” formación de 2008 con Noelia Moncada. El único que le puso onda fue el contrabajista y líder del grupo Ignacio Varchausky, el resto fue lamentable. Ya no daba para mas así que ahora yo me paré y lentamente comencé a retirarme, y mientras lo hacía escuchaba a un apagado Arranque que anunciaba su último tema, así que encima tocaron “un ratito”, y mientras me iba contento lleno de tango pensaba en las dos primeras orquestas y como se habían destacado sus pianistas y contrabajistas, y pensando también en lo que Lidia Borda dijo: No importa quien toque, este Festival de Tango se tiene que hacer Siempre ¡Tiene que ser Eterno! ¡VIVA EL TANGO!

WALTER ABADIE


Foto con José Colángelo después de su actuación.

YES 2011 "FLY FROM HERE"

Despues de 10 años YES vuelve a sacar un disco de estudio FLY FROM HERE. La nueva formación de YES sin Jon Anderson es con el cantante canadiense Benoit David en su reemplazo, este cantante fué elegido de una banda tributo al grupo, lo que trajo dudas en sus fans. Este trabajo fué presentado hace unos meses en Argentina con 2 funciones colmadas y el disco dió a la luz en sus ventas aquí el 1 de julio. La onda del nuevo Yes es parecerse a la época de Drama en 1980 cuando Jon Anderson y Rick Wakeman dejaban la formación y entraban en su reemplazo Trevor Horn y Geoff Downes, luego Downes formaría Asia con Steve Howe y Yes se volvería a reunir tres años despues con Trevor Rabin en guitarra lo que le daría a Yes un sonido ideal para los '80 y Trevor Horn le dejaria nuevamente el lugar a Anderson y este iría como productor. Nuevamente Horn vuelve a la producción y se repite la formación de Drama con Alan White en batería, Steve Howe en guitarras y Chris Squire en bajo, y vuelve Downes reemplazando ahora a Oliver Wakeman (hijo de Rick) quien venía tocando en Yes desde tres años atras y quien tambien participa de algunos temas.
El disco me parece muy bueno, con el tipico sonido Yes de los '70 y los '90.
Hay una edición CD/DVD BOX que viene con un montón de cosas y que sale una fortuna, solo para fanaticos con guita.
Mas detalle de esto y con palabras de Anderson y Squire sobre la situación actual del grupo en el blog algomasquerockandroll.blogspot.com.
Walter Abadie

WAYNE SHORTET QUARTET : El Concierto

El teatro colmado como pocas veces lo vi.
Una vez en las butacas se escucha una voz en off que dice: “Debido a las Cenizas Volcánicas el Baterista TERRI LYNE CARRINGTON no pudo llegar en su vuelo y quedó varado en Santiago, lo reemplazará el Baterista Argentino OSCAR GIUNTA…aquel que desee devolver sus entrada este es el momento de hacerlo”; lejos de esto el público se emocionó con la presencia de GIUNTA el cual fue ovacionado inmediatamente de terminar el aviso, momento el cual coincidió con el ingreso de los músicos, nada mas y nada menos que DANILO PEREZ, JOHN PATITUCCI y WAYNE SHORTER.
Nunca mejor usada la palabra Concierto para este encuentro de genialidades. Desde el primer sonido de cada instrumento se hizo presente la 1º Improvisación que habrá durado (calculo yo) unos 45 minutos, pues uno pierde la noción del tiempo y el espacio en semejante viaje sonoro donde lo que uno tiene como Tempo, Ritmo, Canción, Forma, Etc., se presenta de tal manera que a uno no le queda otra que viajar con ellos.
OSCAR GIUNTA cumplió con creces, estuvo a la altura de las circunstancias y creó una complicidad con su público compatriota lleno de orgullo argentino (cosa que para eso somos mandados a hacer).
DANILO PEREZ estuvo increíble, lejos y diferente de lo que estoy acostumbrado a escucharlo en sus discos de latin jazz, creo que necesitaría otro concierto repetido solo para escucharlo a él.
JOHN PATITUCCI es lo más grande que hay, así de simple y complejo, vengo siguiendo a Patitucci desde que lo vi (hasta anoche) por única vez con The Chick Corea Elektric Band en el viejo Estadio Obras en 1987, ahí lo conocí y seguí tanto su carrera solista como con todos los grandes con que tocó, junto con Eddie Gómez (aunque ambos muy distintos entre si) son mis dos contrabajistas preferidos. Anoche no me cansaba de mirarlo como se divertía y cuanta música sacaba y armaba desde su instrumento, cómplice total con Oscar Giunta, me imaginaba como lo habrá ayudado para armar todo ese tuco que armó la base, y como jugaba con Danilo y con Shorter. Hasta anoche era mi preferido más que todo por su increíble técnica, pero mi admiración ahora creció aún mas por el mundo musical de alegría y creatividad que emana sobre el escenario.
Ver a WAYNE SHORTER con sus 77 años dirigiendo este cuarteto, solo con su presencia, con pocas notas, con breves intervenciones, rotando entre el tenor y el soprano, verlo ahí, me hizo recordar todo el tiempo al Miles Davis de la última época, moviendo las boquillas con las manos, concentrado en la música, dejando lucir a sus músicos y que estos armen el combo y la experiencia; ¿cuán alto se puede llegar como Miles o Shorter o Peterson o Mc Coy Tyner?
SHORTER es tan grande que se puede decir poco, o mucho, pero nunca un intermedio. Estas palabras suyas escritas en el programa resumen el concepto del concierto: “Con el cuarteto improvisamos siempre, nunca sabemos lo que vamos a tocar. Lo construimos ahí mismo, hacemos la música sobre el escenario. Nunca ensayamos. Lo que nos guía es la confianza que nos tenemos entre los cuatro, mas allá de lo que sabemos de música, que es algo que no se ensaya”.
Y con gran alegría el teatro colmado (de gente y de música) se fue descomprimiendo, muchos nos quedamos en la puerta, saludando amigos y comentando lo que fue una noche inolvidable.
WALTER ABADIE

WAYNE SHORTER QUARTET en BUENOS AIRES con DANILO PEREZ – JOHN PATITUCCI – TERRI LYNE CARRINGTON

En Junio, se viene una velada de lujo con Wayne Shorter, el mítico saxofonista, sideman de Miles Davis de quien se cumplen 20 años de su muerte en este 2011, en una única presentación y a la cabeza del poderoso cuarteto con el que gira por el mundo: Danilo Pérez (piano) John Patitucci (contrabajo) y Terri Lyne Carrington (batería). Cualquiera de estos nombres convocados por shorter podría encabezar, y de hecho a menudo lo hacen, su propia agrupación. Pero en esta oportunidad aparecerán bajo las ordenes de un músico que integra no sólo la categoría de ícono sino de mito viviente del género, para brindarnos una noche memorable.

La musicología norteamericana del jazz habla de cuatro saxos tenores imprescindibles, a la hora de comprender la evolución del instrumento símbolo del género: Coleman Hawkins, Lester Young, Sonny Rollins y John Coltrane, pero no es un descriterio pensar a Wayne Shorter Comcel quinto eslabón en esta cadena.
El mismo Coltrane lo recomendó a Miles Davis cuando dejó su quinteto. El trompetista cayó rendido a los pies de Shorter ante la evidencia de un músico de pensamiento musical moderno, ágil pluma en el pentagrama y feroz performance en el escenario. Shorter compuso gran parte del repertorio del quinteto de Davis para los álbumes "E.S.P" (1965), "Miles smiles" (1966), "Sorcerer" (1967) y "Nefertiti" (1967). También gran parte de la música de Weather Report, el cuarteto que fuera pionero del jazz fusion que fundaron con Joe Zawinul en 1970 y disolvieron en 1985 para iniciar sus respectivas carreras solistas.
Es un hecho que el grupo tocará varias de estas piezas en el Gran Rex y nuevo repertorio también, porque Wayne Shorter sigue siendo vanguardia.
Dijo Wayne sobre su grupo "Los músicos de este cuarteto están abiertos a ser vulnerables, toman riesgos y no tienen miedo a lo desconocido. No tenemos ningún mandato en esta banda. Nuestra actitud es 'pintemos con acuarela, con pintura al óleo o con lo que cada uno quiera'".

El sello Blue Note por estos días y a modo de celebración de esta visita de Wayne Shoter está lanzando en Argentina la reedición de uno de los albumes más emblemáticos de su discografía: "Speak No Evil", un material grabado y editado en 1965, cuando Wayne formaba parte del grupo de Miles Davis.

Muy cerca de sus primeros 80 años, Shorter ya lo conoce todo en el jazz y lo disfruta del mismo modo o más aún. Ésta es la gran oportunidad de verlo en acción, tal vez la última en nuestra ciudad. Wayne Shorter, el quinto hombre del saxo tenor de la historia del jazz, una de las últimas leyendas del género, un músico que todavía puede ser capaz de sorprendernos con su propuesta audaz y vanguardista. Una cita imperdible con la mejor música del mundo.

Keith Jarrett en el Colón: de la atención a la tensión

Crítica. El pianista improvisó el martes Exigió un silencio total para inspirarse, se quejó del instrumento y de las toses. Sin embargo, hubo relámpagos de genialidad.

13.04.2011 | Por Federico Monjeau fmonjeau@clarin.com

El comienzo no pudo ser menos prometedor. A las 20.45 Keith Jarrett salió al escenario del Colón y fue ovacionado por una sala llena. El músico retribuyó del modo habitual, juntando sus manos como en rezo, pero al cabo de unos segundos volvió a abrirlas, señaló hacia arriba con el índice derecho como alguien que acaba de percatarse de un olvido y se retiró del escenario.

Tal vez fue a buscar agua, pensó uno, pero no: el músico había visto un flash. La oficina de prensa del Teatro reiteró entonces con mayor énfasis el comunicado que había dirigido al público antes de la función, solicitando no tomar fotos o realizar grabaciones. El ambiente era irrespirable. Jarrett reapareció e hizo una breve improvisación atonal y espesamente expresionista, que desde luego no careció de interés, terminado lo cual se dirigió al micrófono para expresar que ésa era la música que le salía en una situación de malestar, cuando no se respetaban sus condiciones.

Luego siguió con una sucesión de formas breves más amables, hasta que en la cuarta interrumpió a los diez segundos y se empezó a quejar del piano. “Han gastado millones de dólares en arreglar este Teatro, pero no ha invertido en un buen piano”, fue más menos lo que farfulló sin levantarse del taburete, frase que el sentido común “progre” celebró insensatamente, con risas nerviosas y sin ningún discernimiento. A las 21.30 Jarrett abandonó el escenario. Al principio no se sabía si el músico había dado por concluida la jornada, aunque una comunicación de Prensa tranquilizó al anunciar un intervalo de 15 minutos.

Todo parecía indicar que los problemas de Jarrett provenían del mismo Jarrett. En ese mismo piano habían tocado Barenboim y Argerich, e incluso el más maniáticamente purista de todos los pianistas clásicos, Andras Schiff (el año pasado, en el mismo Abono Bicentenario que ahora acaba de abrir Jarrett). Tal vez el músico pretendiese un sonido más brillante, tal vez sintió que el telón de fondo lo apagaba, pero es más probable que estuviese disgustado con sus propias ideas musicales, que no fueron particularmente memorables hasta la sexta intervención, una de esas increíbles melodías suyas en tres tiempos, tan rurales y sublimes como sólo Jarrett puede tocar e imaginar.

Algo ocurrió en el intervalo. Imposible saber qué, pero lo cierto es que en la segunda parte hubo un cambio radical. Jarrett no dispersó su energía en perseguir fotógrafos y despotricar contra el instrumento. Se concentró en la música; tal vez simplemente entró en calor. Se mantuvo en la forma breve de tres o cuatro minutos; canciones, básicamente, pero también (en la segunda improvisación de la segunda parte) una maravillosa evocación del be bop. Cautivó por la belleza de las ideas y por el puro sonido; el vilipendiado piano recobró de pronto todo su color.

Esas formas abreviadas -a años luz de las improvisaciones graduales y autodescriptivas de los ‘70- son cápsulas líricas. Si se exceptúa el tema bop (sobre la armonía de otro bop), no tocó standards , a pesar de que casi todas las piezas de la segunda mitad se oyeron como standards ; bellísimos standards que Jarrett crea en el tiempo real de la ejecución. Aunque no conservan la forma o las proporciones de la canción tradicional; son como unas meditaciones líricas que de pronto se interrumpen o se extinguen muy rápidamente; pequeñas formas abiertas, sobre la base del folcore norteamericano.

La segunda parte compensó de sobra los padecimientos iniciales, aunque Jarrett no se privó de una recapitulación psicológica y antes de abandonar definitivamente el escenario tomó el micrófono para un retar a un último fotógrafo furtivo y despacharse contra Youtube. Pero antes de eso ya había tocado su último bis de mala gana: el mismo blues del disco París Concert , sólo que abreviado y terminado un poco a los ponchazos.

Si de los conciertos de Jarrett generalmente salen discos, uno no puede dejar de preguntarse cómo sería el Colón Concert o el Buenos Aires Concert . Habría unos 40 o 50 minutos de música muy buena, no más que eso. No sería un testimonio de “plenitud”, precisamente, y es imposible establecer cómo ha jugado el contexto local en todo esto.

Plácido 100.000

Ante una multitud concentrada frente a un escenario en el Obelisco el tenor español Placido Domingo deslumbró el jueves al público argentino al cumplir su postergado recital al aire libre, acompañado por los músico y coro del Teatro Colón que, a raíz de un conflicto sindical, se negaron a hacerlo en el primer coliseo argentino.

Domingo no solo se solidarizó con la protesta, sino que antes del concierto al aire libre cantó junto al coro en el Colón para los trabajadores y sus familias y, según se pudo saber, besó las tablas de su legendario escenario.
Antes de dirigir a la orquesta y al coro en la Marcha Triunfal de Aída, abogó porque los "novecientos trabajadores alcancen un acuerdo con el teatro y el gobierno que lo sostiene para que puedan salir adelante en esta temporada”.

La primera parte del espectáculo correspondió al repertorio que el cantante lírico tenía previsto interpretar en el escenario del Colón.
La reconocida internacionalmente soprano argentina Virginia Tola se destacó en la primera parte del concierto con la interpretación de "Louisse" de Gustave Carpentier, a lo que siguió Domingo con fragmentos de la opera en cuatro actos El Cid, cuya música pertenece a Jules Massenet.
Bajo la batuta del director norteamericano Eugene Kohn, Domingo avanza en la interpretación de fragmentos de operas, mientras como él mismo dijo, cumplió "el sueño" de dirigir la orquesta del Colón, interpretando "La Fuerza del Destino" de Giuseppe Verdi.
Junto a la soprano santafesina Virginia Tola y el coro y la orquesta sinfónica del Colón, Domingo interpretó fragmentos de operas de Giuseppe Verdi, como Rigoletto y Aída, y clásicos del repertorio tanguero, como "Volver", "A media luz" (ella), "Mi Buenos Aires Querido" (a dúo) y "El día que me quieras", y "Granada" y "Júrame", del mexicano Agustín Lara.

Domingo sedujo al público en distintos momentos de la noche, cuando dejó que pasara una ambulancia por las inmediaciones que hacía sonar su sirena, y casi al final del concierto cuando bailó con Tola el vals de La Viuda Alegre.

El tenor se mostró emocionado por la multitud que concurrió a verlo y estimó que la gran cantidad de público en la 9 de Julio "no tiene fin" y recordó que este año se cumplen 40 años de su debut en el Colón.

Plácido Domingo en el Obelisco como bola sin manija

A los 70 años, el cantante lírico tenor José Plácido Domingo Embil se encuentra muy cerca de abandonar las representaciones de ópera y quería despedirse del Colón: fue el motivo por el que aceptó la invitación de la Fundación Beethoven, de la pianista Pía Sebastiani, de presentarse al aire libre. Para ello Domingo, barítono pero también tenor, canceló su actividad en USA (él es director general de la Ópera Nacional de Washington, en Washington, D.C.; y de la Ópera de Los Ángeles; y es Oreste, en Iphigénie en Tauride, en Nueva York).

Como no podrá ser en el Colón cantará, hoy miércoles 23/03 a las 20hs, a metros del Obelisco, y del Colón, en la Plaza de la República. Pero como si fuera poco hay que esperar a las 18hs a ver si se define si se realizará o no debido al mal tiempo, pero el corte total de la 9 de Julio entre Sarmiento y Lavalle, igualmente rige a partir de las 12 .Pero, si se suspende por lluvia, el evento pasará al día jueves. ¡Que Quilombo!

El maestro Domingo convocó ayer en su hospedaje a los representantes gremiales para ver qué solución le encontraban al conflicto, se dijo que la charla fue excelente, se mostró comprensivo y hasta se ofreció como mediador. Ellos le dijeron que se presentamos por respeto hacia su figura y para tratar de solucionar el problema. Ayer se hizo una asamblea y se decidió realizar el concierto en la Avenida 9 de Julio, frente al Colón y no dentro.

Lo cierto es que hay un Teatro Colón remodelado de prestigio internacional donde vienen figuras de esta talla que se encuentra con un conflicto político que no parece tener solución, el Gobierno de la Ciudad que no quiere poner plata, menos para algo cultural, y los gremios que como todos ellos, responden al PJ, en este caso el Gobierno Nacional, de esta absurda guerra los que mas salen perdiendo son los habitantes de la Ciudad, que también son Argentinos.
Así que en este caso la vergüenza no es solo propia sinó tambien para los ojos del mundo. Lo vuelvo a decir ¡¡QUE VERGÜENZA!!

Falleció Argentino Luna

El cantor popular Argentino Luna falleció esta noche en la Clínica de la Fundación Favaloro, luego de padecer una grave dolencia de una penosa enfermedad que lo tuvo internado en los últimos meses luego de una descompensación previo a una actuación en el sur argentino.

Otro capo que nos dejó.Este era de verdad ,Así tal cual ,un mésico talentoso y consecuente con lo pensaba ...ahí está toda su obra para disfrutarla. La música no tiene fronteras ,pero si las mentes humanas ...Argentino ,descansá y seguí tocando.

Fotos de la Murga Prisioneros del Delirio

Acá van algunas de las fotos que pude sacar de la presentación de la murga de Sarandí Prisioneros del Delirio en su actuación en el Parque Domínico el Lunes Feriado de Carnaval. Quiero destacar el muy buen escenario de la murga, buenas voces, muchos instrumentos, no solo el bombo con platillo, sino también había trompeta, saxo, percusión brasilera, congas, guitarra y bajo, buenos trajes y buenas representaciones actorales, y también letras con contenido social y ecológico.
No sentí que sea el caso de esta murga (puedo equivocarme) pero lamentablemente también nos han politizado el corso, o sea todo lo contrario a lo que es su esencia, mucho Gracias Cristina y discurso peronista, todo "muy bien organizado por el municipio", algunas cosas bien, como tener seguridad y ambulancia, pero atenti, no confundir la vuelta de los feriados con la alineación gubernamental, la murga debe seguir siendo contestataria por siempre.

FELIZ CARNAVAL 2011

Llegaron nomás los cuatro días locos de carnaval!!!
Y volvieron también los feriados!!!

Hay murgas argentinas, murgas estilo uruguayo, candombe, comparsas, tambores, circo, teatro callejero, bandas, peñas, bailes, cine, muestras…. mil maneras de enfiestarse como a cada uno más le guste.

Tango de Hoy

El nuevo tango, con letras y música de hoy, en http://www.radiocaff.com.ar. Tambien muy buena programación para febrero y marzo en el CAFF, a pasos del Shopping Abasto.

Falleció Gary Moore

El guitarrista Gary Moore falleció el 6 de febrero en la Costa del Sol malagueña a los 58 años de edad. El músico irlandés murió en un hotel de Estepona por causas que aún se desconocen.

Miembro temporal de una de las grandes bandas de rock de la historia, Thin Lizzy, Moore tuvo una gran carrera como guitarrista de blues y de rock, especialmente en solitario con más de 30 discos en el mercado.

El compositor de Belfast experimentó con el rock, el blues e incluso el ‘heavy’ (llegó a colaborar con Ozzy Osbourne, cantante de Black Sabbath) y tuvo decenas de éxitos sobre todo en Reino Unido y EE.UU.

"Parisienne Walkways, "Wild Frontier" o "After the War" son algunos de los temas que más éxito aportaron al guitarrista, que ha fallecido en la provincia de Málaga este domingo.

Adiós María Elena de Nosotros

En todo niño vive la complejidad del adulto que será, y en todo adulto persiste la simpleza del niño que fue. María Elena le cantó a ambos y así nos mejoró la vida.
En el último tiempo (y solo por nombrar mujeres) se fueron Suma Paz, Eladia Blazquez, Mercedes Sosa, y ahora, Maria Elena Walsh. Los verdaderos referentes de nuestra cultura se van yendo de a uno, y con cada uno que se va, el vacio comienza a hacerse aún mas grande. Hasta Siempre Genia!!!

Día de Reyes, Día de Candombe

En Montevideo y en Buenos Aires también.

La fiesta de Reyes ocupa un lugar destacado en la cultura popular afroamericana por las celebraciones dedicadas a San Baltasar, el Rey Mago Negro.

Es sabido que la cultura occidental en general, la americana y la argentina en particular han ninguneado los aportes de las mujeres y hombres negros en la historia, por eso la importancia de la presencia de este Rey Negro en uno de los acontecimientos centrales del cristianismo, el nacimiento de Jesús.

En la cuenca del Plata la celebración de San Baltasar ha sido un festejo central en las comunidades afrodescendientes desde Montevideo hasta Asunción pasando por Buenos Aires, Paraná, Corrientes y Santa Fe.

Es un día en que las naciones afro históricamente salen a tocar sus candombes, las distintas expresiones que en cada región se cobijan bajo esta misma palabra.

Este día de reyes en nuestra ciudad y alrededores sonarán los tambores del candombe afrouruguayo, la rica tradición que hoy predomina ampliamente en Buenos Aires y alrededores, hasta el punto que muy pocos candomberos saben de la existencia de un candombe porteño o un candombe del litoral, y son menos aún los que se interesan en conocerlos.

Pero venga de donde venga, el candombe del 6 de enero nos hará vivir una vez más rituales ancestrales de música y danza afroamericana que nos llenan de energía y nos conectan con nuestras raíces.

Para los que quieran acercarse al candombe porteño, pueden visitar la página de Misibamba, Comunidad Afroargentina de Buenos Aires http://www.misibamba.org/ de Bakongo grupo de música afroargentina http://bakongocandombeafroargentino.blogspot.com/ Comisión Permanente de Estudios Afroargentinos
http://estudiosafroargentinos.blogspot.com/ la gran actriz y cantante afroargentina Rita Montero http://www.ritamontero.com.ar leer el nro. 39 de el Corsito dedicado a los afroargentinos http://www.rojas.uba.ar/corsito/numeros.htm o suscribirse al grupo yahoo Esplendor Afroargentino
http://ar.groups.yahoo.com/group/Esplendor_afroargentino/

Para conocer un poco de los candombes del litoral visiten http://tangodesanmiguel.blogspot.com donde podrán escuchar algunos temas de un disco imprescindible: Tangó de San Miguel, candombes del litoral argentino.

Candombe de Reyes en Lanús Jueves 06 de Enero 19 hs. Plaza Olleros, Córdoba y Arias, a una cuadra cancha de Lanús y a tres de la estación. GRATIS. Para festejar el día de Reyes y honrar a San Baltazar, el rey negro, quien nos acompaña en nuestros desfiles abriéndonos el camino; la Comparsa de candombe Bombelé de Lanús invita a tamboreros y bailarines a participar de una llamada abierta. Este será el tercer encuentro de comparsas candomberas de zona Sur, el primero fue en la sede de la Comparsa de Candombe Guariló de Lomas de Zamora para Navidad, el segundo en la casa de la Comparsa de Candombe Escalandombe de Remedios de Escalada para año nuevo.

Llamada del 6 de Enero en la Boca Jueves 06 de Enero 19 hs. Placita de los Bomberos, Garibaldi y Araoz de Lamadrid, a pasos de Caminito, República de la Boca. La comparsa de candombe de mujeres IyaKerere invita a compartir una llamada de candombe por el día Reyes en honor de San Baltasar. Invitan a todxs lxs candomberxs -tamborilerxs y bailarxs- a desfilar juntos para festejar. Sólo será necesario traer tambor y sus cuerpos danzantes lxs bailarinxs.

¿Y en San Telmo? (Sin confirmación) Jueves 06 de Enero 19 hs. Plaza Dorrego, Humberto I y Defensa, San Telmo. No hay nada anunciado pero pienso que en San Telmo también habrá sonarán tambores en honor al rey mago negro, San Baltasar. En los tiempos de la Colonia y las primeras décadas independientes, con la esclavitud en plena vigencia, sobre las expresiones culturales de la población afro pesaba la prohibición de manifestarlas en público. Solamente en algunos días de fiesta religiosa (Reyes, San Benito de Palermo), en fiestas cívicas como el 25 de Mayo y durante el carnaval, se permitía a la comunidad afro salir a realizar sus candombes en las calles de Buenos Aires. Recordando esa antigua tradición, actualmente los candomberos se reúnen a tocar sus tambores los días de navidad, Año Nuevo y Reyes. No es una cita formal, no hay trajes ni estandartes, simplemente al final de las tarde comienzan a juntarse para recorrer las calles de San Telmo llenándolas con su ritmo.

Los adultos cuidarán que los niños fomenten su imaginación - Laura A.Wong -

Te preguntastes si habia que decirles la verdad a los chicos? , o ya lo hicistes...? espero que no...

Muy buen articulo publicado por Maria del Carmen Herrero Vazquez

¿Deben los niños, creer en los Reyes Magos?

Los padres deben considerar este tema como prioritario conforme se acerca la Navidad, pues en un momento dado surgirá la pregunta: ¿Los Reyes son los papás?

Los psicoanalistas de todos los tiempos comentan que es mejor conservar una ilusión que quitar la inocencia de un tajo, sobre todo, con una tradición tan importante y tan mundialmente reconocida como es la venida, el seis de enero, de los Reyes Magos y más aún en México.

Los niños de todos los tiempos esperan con ansiedad el 6 de enero para descubrir entusiasmados si "los reyes magos" cumplieron todos los encargos de la cartita que cuidadosamente escriben, utilizando los mejores colores y la mejor ortografía, y reconociendo tal vez, que no se han portado tan bien pero que desean algunos regalitos y ya, el próximo año se ponen a mano.

Si leer cuentos, es incrementar la creatividad de los niños, fomentar una tradición es muchas cosas más, es creatividad, fomento a los valores como compartir, autoevaluarse, amar y respetar, preservar las tradiciones y muchos más. Que hace de los niños personas que a la larga incrementarán como se hacía en la tradición oral, una parte de leyenda o mito y otra parte de verdad.

Y que malo suena cuando un chico menor delata a otro que le contó que "los reyes son los papás" ante un adulto, no debería ser pero... es parte de la misma tradición, los primos, los hermanos mayores, los amigos de la cuadra, siempre hay alguien que está dispuesto a contar tan grave verdad, y hasta ahora, a nadie la ha pasado nada cuando la descubren y sí es mucho en la vida de cualquiera el fomentar dicha ilusión...

Sin embargo, existen corrientes realistas que opinan que a los niños no deben decírsele mentiras y que el mito de los reyes es por principio algo que no puede suceder,si se es partidario de ésto, por lo menos se debe elaborar un sustituto de esta tradición, es un día en que, como lo cuenta la Biblia, los Reyes Magos llevaron regalos al niño Dios y por ende, los papás regalan a sus hijos para celebrar este nacimiento.

Por qué hacer esto?, porque vivimos inmersos en una sociedad y los niños pertenecen a distintos grupos, donde siempre habrá alguien que participe de la cartita, el zapato y por qué no, hasta de dejarle alimentos al camello y agua al elefante y los otros chicos quedarían fuera del grupo esto a la larga es mas gravoso para socializar.

Esto lejos de incrementar el autoestima del niño, siempre le desfavorece, pues luchar contracorriente nunca es fácil y menos aún siendo pequeños. Hay que pensarlo con claridad paternal las emociones son parte importantísima de un ser humano integral. Y es un deber de los padres el formar individuos aptos para vivir y convivir, que en el futuro serán a su vez hacedores y formadores de humanos integrales.

Nunca ha sido malo preservar las tradiciones, y es muy importante que los padres encuentren la manera de formar un contexto de influencia para sus hijos que concuerde con las ideas que ellos tienen de las cosas que les rodean pues así no habrá contradicción en la educación, y mucho menos en lo que se refiere a inculcarles una religión.

Por principio, los reyes son tradición y también ilusión y ambas cosas son válidas para hacer felices a los niños, que ya de por sí la tienen difícil en el mundo actual. Nunca ha sido malo que los chicos sean inocentes, que cuiden de ser niños cuando lo son y será deber del adulto ayudarle a conservar dicha inocencia que lo hará encontrar más fácilmente momentos de felicidad que conservará para siempre.