12º Marcha de los Bombos Sgo. del Estero 19 de Julio de 2014

Marchando junto a Juan Saavedra y El Duende Garnica

Con el Indio Froilán Gonzalez en la vigilia de la marcha de los bombos en su patio

EL INDIO FROILÁN (Peteco Carabajal)

I
Un bombo es el corazón
de un santiagueño de ley
el Indio Froilán González
vive en los montes y es luthier.

El patio es un gran taller
con herramientas de amor
con silbos de chacareras
se iniciará la construcción.

Si encuentra un ceibo mayor
ya siente su retumbar
ya sabe que hay un legüero
que entre sus manos latirá.

II
Parche de cabra de un lao',
cuero de oveja, revés,
para que suene a la legua
pide a la luna su poder.

Un mundo de miel y sal
misterioso a la oración
ya haz decidido tus noches
lejos del odio y del horror.

Cuando hay que comunicar
la fiesta o la rebelión
el bombo es el compañero
que en la tribuna alza su voz

El es un hijo del sol
y el monte lo hizo luthier
El Indio Froilán González
sueña en los brazos de un querer.

STEFANO BOLLANI en Argentina

Invitados con mi amigo Silvio Zudiker (toda la vida tiene música - jueves 20hs por AM 1120) pudimos disfrutar del increible concierto que este increible pianista italiano dió el día 3 de junio en el teatro Coliseo. Luego del concierto fuimos recibidos por Bollani quien demostró ser un grande tanto fuera como sobre el escenario. Un punto alto en mis recuerdos será lo que sucedió esa maravillosa noche.

MAC TRIO

MAC TRIO es el proyecto del que soy parte desde comienzos de 2013. Su nombre corresponde a las iniciales de nuestros apellidos. Antonio MORALES en Batería, Walter ABADIE en contrabajo y Bruno CICCOTELLI en piano, el grupo aborda repertorio de jazz moderno de autores como Bill Evans, Wayne Shorter y Richie Beirach entre otros.

Con Néstor Marconi

Presentación del disco de Néstor Marconi "Robustango" en la Usina del Arte. A la salida del concierto pude hablar y fotografiarme con el maestro y también con José Ojivieky que estuvo esta vez como público.

MONOTEMATICO en el Auditorio Kraft Noviembre 2013

Presentación del disco de MONOTEMATICO Historia de una Obsesión en el Auditorio Kraft en Noviembre de 2013. En las fotos mis compañeros de grupo Sebastian Carassai en piano Osvaldo Palau en voz y Sophie Lussie en violín.

Con HORACIO MOLINA en el Festival de Tango de Buenos Aires 2013

Fotos con Carlos Franzetti en el programa Toda la Vida Tiene Música

Fotos del recuerdo después de una charla de 2 horas con Carlos Franzetti en el programa Toda la Vida Tiene Música conducido por Silvio Zudiker y Angel Osciglia, que va por AM TANGO el Jueves 13 de Junio de 2013.

Murió Bebo Valdés

Yo lo disfruté mucho con su trabajo Bebo & Cigala; junto al nombrado intérprete español.
Tenía 94 años y padecía del mal de Alzheimer. Su reconocimiento y su música llegó a distintos puntos del mundo.
Fue uno de los nombres más importantes en la época dorada de la música cubana. Bebo Valdés se destacó en el jazz afrocubano y creó su propio ritmo, la batanga. Su hijo Chucho Valdés es un reconocido músico a nivel mundial.
El artista vivía en la localidad malagueña de Benalmádena, en el sur de España, aunque en las últimas dos semanas los hijos de su último matrimonio lo llevaron a Estocolmo.
Su verdadero nombre era Ramón Emilio Valdés Amaro y había nacido en Quivicán fundó con un amigo de la infancia su primera banda, la Orquesta Valdés-Hernández.
En los años cuarenta, estando ya en la orquesta de Julio Cueva, compuso uno de sus primeros mambos, “La rareza del siglo”. A partir de 1948 y hasta 1957 trabajó en el Casino Tropicana, donde acompañó e hizo arreglos para la vedete Rita Montaner y compartió escenario con grandes figuras como Nat King Cole.
A finales de los cincuenta Bebo colaboró con Lucho Gatica, en México, y luego en 1960 en medio de una gira decidió exiliarse en Estocolmo.
Durante más tres décadas estuvo alejado de la música, ya que tocaba en el piano bar de un hotel de la capital sueca hasta que en 1994 lo llamó Paquito D´Rivera y lo invitó a grabar un nuevo material, "Bebo Rides Again", una colección de clásicos cubanos y de canciones de Valdés.
En el 2000, el director de cine Fernando Trueba lo invitó a participar en su película “Calle 54”, donde Bebo se reencontró en un escenario con su hijo Chucho y también con sus viejos amigos Israel López Cachao y Patato Valdés.
Su último disco fue “Bebo y Chucho Valdés, Juntos para siempre”, un homenaje en el que padre e hijo repasan el repertorio y los ritmos de la música cubana.

Brasil en Buenos Aires en Abril

En Abril dos importantes shows brasileros estarán en Notorius, bar teatro que funciona en la calle Callao 966. El guitarrista Victor Biglione se presentará en trío junto a los argentinos Horacio Lopez en batería y Cesar Franov en el bajo los días 11 y 12; y el Zimbo Trío se presentará una semana después.Las entradas están en venta por Ticketek.

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Angélique Kidjo llega al Gran Rex en Abril '13

Entre aquella visita legendaria del músico senegalés Youssou N'Dour en River dentro de la gira de Amnesty Internacional en 1988 y la cuarta visita del dúo de Malí Amadou y Mariam programada para el mes próximo, son contados con los dedos de la mano los artistas del continente africano que han pisado nuestro suelo.

La noticia de que la diva africana Angélique Kidjo, cantante, compositora, activista y embajadora de la paz por Unicef, pisará los escenarios argentinos el 21 de abril en el teatro Gran Rex es una gran sorpresa.

Kidjo es una de las artistas más influyentes de África occidental y figura entre esa generación dorada que integran Salif Keita, Papa Wemba, Manu Dibango, Ray Lema y Geoffrey Oryema. Para quienes nunca la escucharon basta descubrir su versión de "Voodoo Child" de Jimi Hendrix incluida en el documental de Martin Scorsese Lightning In A Bottle: One Night In The History Of The Blues, para caer rendido a sus pies.

Nacida en la república de Benín, Kidjo creció escuchando sonidos que le darían forma a su hipnótico swing. "Mis hermanos tenían un grupo de música y yo escuchaba con ellos a James Brown, Otis Redding, Wilson Pickett, Santana, Aretha Franklin y todo Motown. Al mismo tiempo, la música caribeña formaba parte de nuestra vida cotidiana. Mi madre y mi padre me enseñaron a bailar la rumba, la salsa, el merengue", contaba.

Exiliada en París desde 1983, su carrera musical creció a la par de su activismo. Su espíritu colaborativo y abierto le permitió posicionarse en la escena mundial a partir de sus participaciones con otros artistas como Santana, o invitando a Bono para revalorizar la figura de Fela Kuti, símbolo de resistencia de su continente.

A 44 años de la última vez de The Beatles

Un frío 30 de enero de 1969, The Beatles coparon la terraza del número 3 de la calle Savile Row en Londres, sede de Apple Corps y durante 42 minutos tocaron canciones del disco Let it Be
Muchas cosas se dicen de ese show, que fue la última vez que John Lennon y Paul McCartney tocaron antes de quebrar su amistad, que fue también la última voluntad de George Harrison harto ya de los cruces de la banda y y el golpe de aire fresco que significó la participación del pianista y amigo de la banda, Billy Preston.
La banda estaba grabando los temas del disco Let it Be en los estudios de Apple Corps, si bien Abbey Road se grabó después, Let it Be fue el último trabajo de estudio publicado y la esa terraza fue el último escenario que los unió.
Cómo The Beatles terminan tocando en la azotea es una discusión que se dio desde el núcleo interno de la banda. Rumores afirman que se barajó la posibilidad de tocar en un hospital rodeados de chicos enfermos, a bordo de un barco o frente a las pirámides de Egipto, algunas menciones apuntan que fue George el que puso fin a la disyuntiva.
Como consecuencia del desgaste que el guitarrista sufría en la banda, puso como punto final, y casi condición para participar, que la banda subiera al techo, enchufara los instrumentos y tocaran los temas del disco sobre el que venían trabajando, ya que hacía tres años que no tocaban juntos en vivo.
La banda tocó varias de las canciones que habían ensayado durante las semanas previas al concierto hasta que la policía, presionada por los vecinos, envió a los agentes para que suspendan el show y terminaran de coronar el momento como uno de los hitos históricos en la carrera de los Beatles. A 44 años, esta fue la breve lista de temas:
1. "One After 909"
2. "Get Back"
3. "Dig a Pony"
4. "Don't Let Me Down"
5. "I've Got a Feeling"
6. "For You Blue" (Harrison)
7. "The End"

Se va otra Estrella del Camino

Otro músico grosso que se va por estos días. :(
Para los que crecimos escuchando Deep Purple y enloquecimos con sus solos en Machine Head, va este reconocimiento para un grande del rock progresivo y heavy.
"Nos entristece anunciar la muerte de Jon Lord, de 71 años de edad, que hoy ha sufrido una embolia pulmonar fata en la London Clinic, tras una larga batalla con el cáncer de páncreas. Jon estaba rodeado por su familia", anunció su página oficial.

Murió Leda Valladares

Desde hace años la escritora, poeta y cantora tucumana de 93 años padecía mal de Alzheimer y vivía en un hogar de ancianos, en la Ciudad de Buenos Aires, donde falleció. Había nacido en Tucumán en 1919 y en su adolescencia comenzó a ser reconocida por sus composiciones de blues, boleros, baladas y canciones para niños, junto con María Elena Walsh.

Una de sus obras cumbre editadas entre los años 1960 y 1974 fue una serie de álbumes testimoniales y documentales, "Mapa musical argentino", a cargo del sello Melopea, de Litto Nebbia. Valladares tiene en su haber además inmortales obras de la talla de "Igual rumbo, grito en el cielo" (1989), "Grito en el cielo II" (1990) y la impecable "América en Cueros" (1992), por la cual fue declarada miembro de honor de la UNESCO.

Desde SADAIC indicaron que esperaban contactarse con los familiares de la artista para definir si su sepelio se realizaba de manera íntima o en una ceremonia pública organizada por la entidad.

Graduada en la Universidad Nacional de Tucumán con el título de profesora en Filosofía, también licenciada en Ciencias de la Educación, Valladares comenzó a destacarse desde joven en el ámbito de la música. Luego de incursionar en expresiones vinculadas al jazz, integró el grupo Folklóricos, Intuitivos, Originales y Surrealistas (FIJOS), para, en la década del '50, coincidir en París con la cantautora María Elena Walsh, con quien recorrió Argentina y Europa para presentar su obra.

León Gieco, por su parte, rescató que Valladares "siempre incito a hacer canto colectivo, que es lo que ella practicó en plena dictadura militar, cuando reunió cientos de chicos con maestras cantando bagualas y vidalas", y subrayó que fue "una de las transgresoras más grandes que tenemos".

Entre su discografía se destacan Chants d'Argentine (1954), con María Elena Walsh, Entre valles y quebradas, 1 y 2, ambos de 1957, Canciones del tiempo de Maricastaña (1958), y Canciones para mirar (1962), mientras que en cine participó de "El canto cuenta su historia" (1976).

Personalmente fue una gran influencia, me hizo incorporar y disfrutar esa genial música que son las bagualas y las vidalas, disfruto escucharlas e interpretarlas en las escuelas junto a mis alumnos de todas las edades; y saben que ¡¡les gusta!!

Walter Abadie

Chau Juan Alberto !! Nos seguirás haciendo compañía por siempre !!

CHICK COREA - STANLEY CLARKE & LENNY WHITE presentan "FOREVER" el Miercoles 6 de Junio a las 21 hs. en el Teatro Gran Rex

A la salida del concierto compartiendo con amigos

BUDDY GUY - Miércoles 16 de Mayo en el Gran Rex

NOTA

Increíble recital del maestro del blues de Chicago es el que el miércoles 16 presencié en un Gran Rex repleto como nunca, ya en la boletería estaba el cartel de Sold Out – Entradas Agotadas.
Acompañado por el virtuoso Rick Hall en guitarra, Marty Sammon en piano y órgano eléctrico, Orlando Wright en bajo y Tim Austin en batería, Buddy Guy ofreció un concierto marcado por el juego, el diálogo con el público, la exposición de una serie de recursos guitarrísticos superlativos y un registro vocal excepcional. Con una capacidad única para trabajar registros casi susurrantes y saber tocar y cantar cerca del silencio combinado con estridencias ensordecedoras aún dentro de un mismo tema, Guy desplegó todo su magnetismo. "Someone else is steppin", "Fever" y "74 Years Young", fueron algunos de los temas que Buddy Guy sacó del repertorio y con los que desplegó una artillería de recursos guitarrísticos y vocales sorprendentes. En el medio, realizó un tributo a los grandes guitarristas del género, discípulos que lo adoran y adoraron algunos, pares de viejas épocas otros, tocando partes de temas emblemáticos, imitando sus estilos, riendo y trayéndolos otra vez a la memoria. Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan, con un segmento de "Voodoo Chile", Albert King con "Blues Sunrise", BB King con la versión original de "Sweet Sexteen", "What I Say", de Ray Carles, "Miss You" de los Rolling Stones, la introducción de "Cocaine" de Eric Clapton, fueron los temas elegidos para un momento celebratorio.
"Going Down", "Skin Deep" y "Let me love you", fueron canciones que eligió para el cierre, en un concierto donde el publicó deliró con la esencia del blues y de la música en si.

Walter Abadie

BUDDY GUY en el Gran Rex el 16/05/12

ACERCA DE BUDDY GUY

“Cuando tenía 21 años”, dice Buddy Guy, “algunos de mis amigos más grandes, que hoy no están con nosotros, me decían: “Aún sos un nene”. Y luego ellos me dijeron lo mismo cuando tenía 31 y también a los 41, y pensaba “Hombre, ¿cuándo voy a envejecer?” Vengo escuchando eso desde la primera vez que fui a Chicago. Con este Nuevo álbum, “Living Proof”, Guy hace un análisis detallado de una vida extraordinaria. A los 74 años, fue galardonado y es parte del Rock And Roll Hall Of Fame, la mayor influencia en “titanes” del rock como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, un pionero del “Chicago´s West Side Sound” y un link viviente con los días felices de esa ciudad de blues eléctrico. Buddy ha recibido 5 Premios Grammy, 23 W.C. Handy Blues Awards (el mayor número de premios que cualquier artista haya recibido), distinguido por la revista Billboard con el Century Award por sus logros artísticos y el Presidential National Medal Of Arts. La revista Rolling Stone lo seleccionó en el Top 30 de los “100 Grandes Guitarristas de todos los Tiempos”. Sin embargo, como la primer canción del álbum declara, hoy Buddy Guy es “74 Years Young” (74 años joven), sigue buscando nuevos sonidos e ideas frescas. El inicio de cada nueva década siempre parece inspirarlo (ver 1981 Stone Crazy, 1991 Damn Right, I Got The Blues, y 2001 Sweet Tea), y en Living Proof, algunas canciones como “Thank Me Someday” y “Everybody´s Got To Go” son meditaciones personales sobre su pasado, su legado y su mortalidad. Guy dice: “La vida que viví es sobre lo que cantamos”. “Esas canciones son exactamente lo que pase a través de mi vida, lo que experimente”. Buddy le da créditos al productor/baterista Tom Hambridge (quien coescribió las canciones de Living Proof, y quien por su parte trabajo con artistas como Johnny Winter, Delbret McClinton, y Susan Tedeschi) ya que con su ayuda pudo capturar y preservar sus pensamientos más íntimos. “Venia con una libreta y un lápiz” dice el guitarrista, “y mientras hablábamos, el escribía cosas y le dije que hagamos canciones de esas palabras”. Aún herido por las restricciones que el legendario Chess Records le puso durante su juventud (“ellos decían que solía tocar muy ruidosamente, y no me dejaban soltarme como yo quería”), Guy también dice que su música se continua beneficiando desde el soporte de su compañía discográfica y del equipo que lo rodea. "Estos muchachos decían: “Es tu guitarra, tu estudio, solo tenes que ir y ser Buddy Guy” – y he estado tratando de hacer eso por 50 años” dijo Guy. “Tengo la libertad de tocar, con solamente yo para decirme, “Déjame intentarlo de nuevo”. Pensar que Buddy Guy será por siempre asociado con Chicago, pero su historia comienza en Louisiana. Uno de cinco hijos, el nació en 1936 en una familia de aparceros y criado en una plantación cerca de la pequeña ciudad de Lettsworth, ubicada a unas 140 millas al noroeste de New Orleans. Buddy solo tenía 7 años cuando creo su primera guitarra improvisada – un artilugio de 2 cuerdas unidas a un pedazo de madera y asegurada con las horquillas de pelo de su madre. En “Thank Me Someday”, el hace un recuento de sus primeros esfuerzos con el instrumento, y su habilidad para mantener la fe cuando su familia lo hecho de su casa por hacer ruido. “Voy a ir al parque, en el dique, a practicar” decía. “No teníamos luz eléctrica o agua corriente – podías escuchar esa guitarra a una milla de distancia, así que tenía que hacer un largo camino, lejos en donde nadie dijera “Ándate de acá con ese ruido!”. En 1957, llevo su guitarra hacia Chicago, donde cambiaria permanentemente la dirección del instrumento. Su estilo incendiario – aún se evidencia en todo “Living Proof” – deja su marca en guitarristas que van desde Jimmy Page a John Mayer. “Él fue para mí lo que Elvis haya sido probablemente para otra gente”, dijo Eric Clapton cuando Guy fue elegido para ser parte del Rock and Roll Hall of Fame en el año 2005. “Mi curso se estableció, y él era mi piloto”. Aunque el nombre de Buddy Guy estará siempre asociado con el Blues, estas canciones ilustran el verdadero rango de su manera de tocar. Canciones como “Much Too Soon” y el candente instrumental “Skanky” llegan directamente fuera de la tradición del rhythm & blues. Para Guy, sin embargo, tales distinciones de género son ideas de sentido de último momento. “Antes de los 60´s, siempre éramos solo interpretes de R&B,” dice Guy. “Luego ellos nos etiquetaron –eso era Chicago Blues, Memphis, Motown, por lo que fuimos considerados interpretes de blues. Pero en Chicago, si vos buscabas mantener tu actuación, tenias que ser capaz de tocar todos los temas principales de la rockola, eso era Lloyd Price o Fats Domino o Ray Charles. Ahora si vos tocabas una canción de Little Richard, la audiencia te miraba como si estuvieras loco, pero siempre tenía que hacerlo para el público negro en aquel entonces. Quizá la marca más significante en Living Proof es que por primera vez, el incomparable B.B. King se detuvo para tocar y cantar en un álbum de Buddy Guy. Los dos gigantes recitaron la introspectiva “Stay Around A Little Longer” como los viejos amigos que son – pero Guy aun no toma esa relación con el Rey del Blues por aceptada. “B.B. creo ese estilo que todos tocamos en la guitarra”, dice. “Crecí escuchando a gente como él, T-Bone, Wlaker, Muddy Waters, y todavía tengo el 95% de mi forma de tocar de él. Así que tener a alguien como el en el estudio hace que se te ponga la piel de gallina.” El otro invitado de Living Proof es Carlos Santana, quien se unió a Guy en la seductora “Where The Blues Begins.” Vale la pena destacar que él y Junior Wells hicieron el cover de la canción “Vera Cruz” de Santana hace más de tres décadas, Guy dice, “Cuando estoy tocando con alguien tan bueno, tengo que cerrar los ojos y decir, “Aquí voy!”. Al preguntarle que es lo que exactamente el considera a su disco “Living Proof”, Buddy Guy responde modestamente- el no menciona su talento o su influencia, sino que se concentra en su perseverancia. “Sabes la cantidad de tipos que empezaron conmigo y debieron abandonar?” dice Guy. “Mi primera esposa me dijo una vez, “Soy yo o tu guitarra”, y elegí mi guitarra y me fui. Aún nos reímos de ese episodio. “El otro día, escuche decir a B.B. King, “No puedo parar, porque todavía sigo pensando de que hay alguien allí afuera que aun no sabe quién soy. “Pero, sabes, los intérpretes de blues no paran, se dejan caer. Es como lo que mi madre solía decir acerca de la religión – Estoy demasiado lejos para dar la vuelta!”

John Zorn - Masada - en Buenos Aires

El genial saxofonista, compositor y arreglador llegará por primera vez a Sudamérica y realizará una única función en Buenos Aires el jueves 15 de marzo en el Teatro Coliseo junto a Masada, el grupo más emblemático de su extensa y prolífica carrera. El cuarteto está integrado por John Zorn en saxo, Dave Douglas en trompeta, Greg Cohen en contrabajo y Joey Baron en batería.

Sin dudarlo estamos en presencia de uno de los acontecimientos musicales del 2012 a partir del enorme prestigio que el músico neoyorquino fue acrecentando desde su álbum “The Big Gundown: John Zorn Plays the Music of Ennio Morricone” editado en 1985 por Nonesuch. Fue el creador de la denominada “downtown music” un verdadero movimiento de vanguardia que tuvo sus orígenes en los oscuros clubes de jazz de Nueva York como el mítico Knitting Factory y más tarde en Tonic.

Más allá de ser un brillante saxofonista, dueño de un estilo impar llegando a notas casi inalcanzables para cualquier otro intérprete calificado, es un compositor incansable que no deja de sorprender con obras maestras que entrega en sus variados proyectos que van desde el avanti garde, jazz, surf, hardcore, klezmer, jazz metal, free jazz, contemporánea, música de cámara, conciertos para piano, soundtracks, … Cada grupo representa una de las facetas estilísticas que Zorn fue desarrollando desde sus comienzos en la música: Naked City, Pankiller, Cobra, Bar Kokhba, Masada, Electric Masada, The Dreamers…En alguno de ellos solo se encarga de la producción y dirección musical y deja la ejecución en manos de los brillantes interpretes que siempre tuvo a su lado y que disfrutan trabajar bajo sus ordenes: Mike Patton, John Medeski, Marc Ribot, Bill Frisell, Fred Frith, Ikue Mori, Dave Douglas, Jamie Saft, Greg Cohen, Cyro Baptista, Uri Caine, Joey Baron, etc.

Su primer encuentro con la música judía se plasmó con la edición “Kristallnacht” (una representación musical de “La noche de los cristales rotos” ocurrida en Alemania en 1938 cuando los nazis atacaron los negocios y casas de la comunidad judía). Tiempo después fue uno de los fundadores y director del movimiento “Radical Jewish Culture” (Cultura Radical Judía) que preparó el camino para su nuevo proyecto: Masada, un grupo de jazz tomando como modelo el cuarteto original de Ornette Coleman.
El cuarteto acústico Masada es su obra maestra y un claro ejemplo de su búsqueda musical donde se conjugan la música judía de sus ancestros, el jazz y la improvisación. Para llevar adelante este proyecto seleccionó a músicos excepcionales que cuentan con la capacidad y el talento para integrarse en un combo imbatible dentro del jazz de los últimos tiempos. Hablamos de Dave Douglas, elegido en varias oportunidades como el mejor trompetista y músico de jazz del año, Greg Cohen, un virtuoso del contrabajo e integrante de la banda de Tom Waits, y Joey Baron, una verdadera aplanadora con su batería.

En la década del ’90 crea su propio sello Tzadik donde lleva editados más de 200 álbumes e incluye material original y provocativo de su autoría y de artistas que tienen su impronta creativa y de búsqueda permanente como Bill Laswell, Wadada Leo Smith, Steven Bernstein, Dave Douglas, Laurie Anderson, Lou Reed, Eyvind Kang ó Dave Douglas.

Charly García: Spinetta era además de un ídolo, un amigo

Charly García habló por primera vez después de la muerte de Luis Alberto Spinetta y aseguró que "era además de un ídolo, un amigo" y "la única persona dentro del rock a la que realmente admiraba". El músico consideró que Spinetta deja "un agujero casi imposible de llenar".
Luego de tocar en el festival de Cosquín Rock, donde lo homenajeó, García habló sobre su colega y afirmó: "Yo siempre tuve una gran admiración hacia él, fue uno de los primeros que me alentó cuando empecé en esto y con el tiempo, nos convertimos en grandes amigos".
En declaraciones a radio Mega 98.3, Charly señaló: "Ahora me siento un poco solo porque era la única persona dentro del rock que yo realmente admiraba, sin desmerecer a nadie, por supuesto. Pero me parece una cosa tremenda y deja un vacío".
García, que compuso "Rezo por vos" en dupla con Spinetta, destacó el aporte que el líder de bandas como Almendra y Pescado Rabioso hizo a la música local: "Fue un inventor, un tipo que agarró elementos de aquí y de allá, los fusionó para crear algo que no existía, la poesía del rock en castellano. A mí me inspiró mucho. Yo pienso que sin él hubiera sido todo distinto".
Por último, recordó la canción "Rezo por vos", que compusieron en conjunto, y la señaló como "un buen ejemplo de la unión" entre ambos. "Me parece un gran tema y tiene elementos míos y elementos de él. Creo que es el mejor ejemplo de la fusión, no?", resumió.

La Carta de Aznar: "Cambiaste nuestras vidas abiréndole camino a la imaginación"

Pedro Aznar tributó a Luis Alberto Spinetta, a través de su muro de Facebook en donde ubicó un extenso y sentido texto.

"Hoy todas las guitarras están de luto. La mía, que tendría que haberse puesto a repasar zambas sólo puede pensar en la tuya, tal vez porque el barro tal vez porque este balcón donde te vi casi por última vez mira una nube de la forma y el color de esas eléctricas con las que soñábamos de chicos.
Este balcón que se quedó... esperando una charla unas palabras o un abrazo más que ya no llegará. Luto también en las palabras habituadas como estaban a que les pusieras cascabeles guirnaldas asonantes o ruedas de tren apocalíptico caleidoscópicos ojos de fértil papel de tu prolífica pluma que suma y resta sílabas del metro patrón de las esferas apenas solas a solas penas.
Adiós que sea A-Dios a sus brazos a ese rincón de magia que seguramente El guardará para los que se animan a jugar con los bloques con los que ha construido el mundo haciendo pequeños nuevos mundos de cuatro minutos donde el corazón se muestra y baila desafiando al vacio.
Adiós mientras me duele el pecho te imagino en viaje por inmensidades más vastas que las del Capitán pero a diferencia de él sé que tendrás todos los tangos silbados al oído y nunca faltará un mate ni perfume a malvones En todos nosotros se queda un pedacito tuyo serás inspiración multiplicada por millares a lo largo de los años y lo ancho de las geografías.
Cambiaste nuestras vidas abriéndole camino a la imaginación cantándole salvaje o dulcemente a los misterios que nos habitan al misterio que somos. Adiós. No me resigno a tener que decirlo. Adiós mensajero del infinito".

CARTA PARA LUIS ALBERTO

Hoy es todo Luis Alberto, hoy en el dolor, pero hace 30 años que cada día de su música es felicidad, si, 30 años pasaron desde aquellos primeros momentos de mi adolescencia con mis primeros cassettes: una recopilación de Almendra, Pescado 2 y Bajo Belgrano y Mondo Di Cromo que recién salían; temas sueltos que me llegaban: Barro tal Vez, La Herida de París, etc.
Spinetta Jade presenta nueva formación y anticipa Madre en Años Luz, mi primer concierto, el corazón se me salía del lugar, para el bis (Ludmila) con la inocencia de la edad voy al pie del escenario, con esa misma inocencia y desverguenza de la edad voy a los camerinos y le pido al Flaco que me firme una foto, y el corazón se me salía, allí estaban Pomo, Epumer, Franov y el Mono Fontana pero solo tenía ojos para el Flaco aunque pocos años después esos músicos me llevarían por otros caminos. Luego de esa noche se transformaría en mi ídolo por siempre, si, por siempre, porque uno tiene ídolos de adolescencia pero él evolucionó permanentemente, nunca tuvo techo, así que mientras yo crecía él también lo hacía.
Pasaron los años y tuve todos los cassettes y discos, me acuerdo de los difíciles o muy caros como Alma de Diamante u Only Love Can Sustain; luego cuando llegó el cd también los tuve en ese formato.
Nunca me dejó de sorprender, siempre escuché todo, desde Almendra pasando por Jade, Pelusón, Don Lucero, Silver Sorgo… Así llega Un Mañana, su último disco, uno de los mejores.
A fines de 2010 pude verlo en el Teatro Colonial de Avellaneda donde tocó temas de todas sus épocas y donde pude rememorar y (ahora) cerrar el círculo de aquella primera presentación en el ex Cine Mitre de Avellaneda que tanto marcó mi vida.
Flaco: ¡¡Gracias por esos discos y esas canciones que me hicieron tan feliz durante toda mi vida!!

Walter Abadie

Carta de Luis Alberto Spinetta respecto a su actual estado de salud

Mi nombre es Luis Alberto Spinetta.

Tengo 61 años y soy músico.

Desde el mes de Julio sé que tengo cáncer de pulmón.

Estoy muy cuidado por una familia amorosa, por los amigos del alma, y por los mejores médicos que tenemos en el país.

Ante el aluvión de información inexacta, quiero aclarar públicamente las condiciones de mi estado de salud.

Me encuentro muy bien, en pleno tratamiento hacia una curación definitiva.

Quiero agradecer a todos por la buena onda que he recibido, y pedirles que no paniqueen, y no tomen en cuenta las noticias que han generado los buitres de turno.

No tengo ninguna red social, ni Twitter, ni Facebook, etc, por lo tanto todo lo que lean al respecto es falso.

Pertenezco a Conduciendo a Conciencia, y les recuerdo que ahora en las fiestas, si van a conducir no deben beber.

Gracias. Los quiero mucho. Felices Fiestas.

Luis

RICK WAKEMAN en el Gran Rex

Nota
No tengo mucho para decir; Wakeman genial al piano acústico nos deleitó con sus composiciones acompañado del Director Guy Protheroe dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Buenos Aires y el Coro de Buenos Aires, en un show que tuvo como base la obra Viaje al Centro de la Tierra, obra literaria de Julio Verne que Wakeman musicalizó allá por 1972 y que fue el disco de Rock Sinfónico que mas vendió en la historia. En el medio de su música hubo lugar para una obra de dos composiciones de The Beatles, Help (casi irreconocible) y Eleanor Rigby. Fue raro ver y oír a Wakeman sin su parafernalia de teclados, inclusive todos lo que estuvimos ahí nos habrá pasado lo mismo: escuchamos los discos tantas veces durante toda la vida que las partes rock que faltaban las completábamos y escuchábamos igual en nuestras cabezas.
Para el final un público que fue respetuoso del concierto “clásico” estalló en ovaciones, gritos y aplausos para que Wakeman saliera una y otra y otra vez hasta agotar stock.
El próximo sábado 3 de diciembre ofrecerá una nueva función, el que no pudo ir a esta o quiere repetir tendrá su oportunidad de hacerlo, después no digan que no les avisamos.

Walter Abadie

NELLY OMAR: 100 AÑOS EN EL LUNA PARK

Y al final, el 11-11-11 ocurrió…el milagro? Algunos esperaban la llegada de algo malo, otros, todo lo contrario, algunos llenaron las inmediaciones del Cerro Uritorco esperando recibir algún tipo de energía. Y entonces, al final, la energía llegó al Luna Park donde una mujer de 100 años daría un genial y emotivo concierto, este hecho, como dijo la locutora del evento, fue único en la historia de la humanidad.
Nelly Omar, quien hace pocos días cumplió 100 años, brindó un show emotivo hasta las lágrimas, todos los que estuvimos ahí fuimos a recibir esto, palo, palo y palo de emoción sin fin.
La primer parte del espectáculo fue por parte de los invitados; una hora, primero con seis extraordinarios payadores que se fueron en elogios para Nelly Omar a través de sus Cifras. Luego un muy buen quinteto comandado por la violinista Erica Di Salvo hizo de cortina para que Juan Carlos Copes y su Ballet se lucieran.
Luego de emotivas palabras y fotos históricas sale a escena Nelly Omar. Cada palabra suya, cada gesto, cada anécdota que contaba estaba cargada de humor y emoción, y agradecimiento a su público “ustedes si que me quieren eh, sinó como se van a bancar estas desafinaciones y olvidos”, pero todo estaba permitido, era una fiesta mas que un concierto; de hecho después de los dos primeros temas se acomodó y cantó extraordinariamente bien un repertorio de grandes hits pedido por el público al cual ella cedía inmediatamente “(Desde el Alma se escuchaba del público) quieren Desde el Alma, ahí va!!)” y así con muchos otros. Personalmente, por ejemplo, la versión de Jacinto Chiclana fue una de las mejores versiones que jamás escuche, temas como Amar y Callar o Desde el Alma me emocionaron mucho porque me hicieron recordar a mis comienzos tocando tango.
Una hora Nelly Omar de 100 años estuvo arriba del escenario del Luna Park entre tangos, milongas, valses y hasta hubo lugar para una zamba. Para el cierre recibió 3 sorpresas: una carta de Horacio Guarany (su gran amigo) desde Neuquén, una placa recordatoria del Luna Park por ser esta presentación un hito en la historia del gran coliseo, y lo que soñábamos, una gran torta con el nº 100 y cantarle el Feliz Cumpleaños. Como bis quedó un final muy peronista que era inevitable pues ella es la voz de Los Descamisados y muchos se lo pidieron a gritos toda la jornada, así que, todo bien, todos contentos, está bien. Y se fue nomás con pasitos cortos como entró, aplaudida y ovacionada hasta el cansancio.

FUI TESTIGO DE UN HECHO HISTÓRICO Y PRESENCIÉ UN GRAN SHOW; Y LE CANTÉ EL FELIZ CUMPLEAÑOS Nº 100 A NELLY OMAR, LO LEO Y TODAVÍA NO LO PUEDO CREER.
Y OTRA VEZ EL TANGO ME HACE FELÍZ, POR ESO VIVA EL TANGO!!! Y VIVA NELLY OMAR!!!
WALTER ABADIE

Primer plano / Francisco Pesqueira

Hoy estrena un unipersonal musical y sigue con Carne de Crítica
Por Laura Ventura | Para LA NACION

Susurrando palabras mágicas, como un chamán, Marilina Ross se acercó a un niño de 13 años, y le dijo: "Estás enfermo, pero sólo en la cáscara. Pronto te vas a recuperar". Ese chico creció sano en Córdoba, entre sus padres gallegos, y sus cuatro hermanos, y hoy les rinde homenaje a aquella artista y a otros intérpretes que marcaron su destino. En Te doy una canción (con el alma toda) , Francisco Pesqueira despliega sobre el escenario la banda sonora de su vida, como él define.
"Es un reencuentro con lo pequeño y lo íntimo", dice Pesqueira, que viene de un año intenso que comenzó con El patio de la Morocha , junto con Susana Rinaldi. Luego, participó de varios capítulos del radioteatro Secretos argentinos . Además, este artista completo participó del workshop del musical Gardel , con Guillermo Fernández, dirigido por Claudio Gallardou, que busca un productor para poder llevar a escena el año próximo.
Pesqueira partió más tarde por las rutas del Sur con Carne de Crítica, el grupo que integra desde hace diez años con Claudio Pazos, dirigido por Carlo Argento. "Tenemos esa cosa de cómico de la legua, un formato de compañía que arma las valijas y sale a la aventura." Carne sola (o Doña Rosita, el soltero) , ganador del ACE al mejor espectáculo de humor 2010, es la sexta y última obra de la compañía que, a fin de año, para celebrar una década de vida, presentará un disco con su recorrido musical.

MELANCOLÍA DE HOMBRE FELIZ
En simultáneo, hace diez años, mientras era swing (reemplazo de todas las figuras masculinas) deLos miserables , Pesqueira llevó a los escenarios, junto con el pianista Ramiro Pettina, Soñé que te soñaba , basado en las poesías de Antonio Machado y música de Serrat, Cortez y Aute.
Ahora se reencuentra con Pettina para realizar un homenaje a todas esas canciones e intérpretes que lo marcaron a fuego: "El primer nombre que apareció fue el de Atahualpa. Con Ramiro hicimos un trabajo muy intenso para que las canciones no fueran iguales. Son temas muy conocidos, que vamos poniendo en contexto".
Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Charly García, María Elena Walsh, Eladia Blázquez, Violeta Parra, Silvina Garré y Celeste Carballo, entre otros, recorren esta travesía de experiencias, confesiones y momentos íntimos. "Es un espectáculo melancólico por momentos, aunque la melancolía tiene mala prensa", opina quien se considera una persona feliz.
Celeste Carballo fue otra de sus grandes influencias. Aún atesora el autógrafo que hace 30 años le firmó la cantante cuando estaba de gira por Córdoba. "Le toqué la puerta de la habitación del hotel y me recibió con el pelo mojado, recién salida de la ducha. No entendía qué hacía allí un niño fan."

COMO LA CIGARRA
Precoz, a los seis años decidió que quería estudiar actuación con Carlos Gandolfo. "Leía sobre él en las revistas. En mi casa, eran muy amantes del teatro y cada vez que venía una compañía a mi ciudad, la íbamos a ver." Luego su sueño se concretó y no sólo estudió con aquel maestro de maestros, sino que se convirtió en su asistente durante cuatro años. "Fue Gandolfo quien me dio herramientas para poder cantar, a hacerlo desde el corazón, y a admitir que tenía que hacer humor."
Cuando terminó el colegio, se mudó a Buenos Aires. No probó suerte, logró integrar los elencos deZorba , El burgués gentilhombre , El Dibuk , Pepino el 88 , El romance del Romeo y la Julieta , Los indios estaban cabreros , 30 días y Rey Lear , entre tantas otras.
"Cuando era más joven, quería ser Eleno Tasisto", cuenta entretenido. "Hoy estoy más tranquilo con mis sueños. Quiero trabajar e ir construyendo mi profesión como un obrero. No tengo otro sueño que la continuidad del trabajo", confiesa.

PARA AGENDAR
Te doy una canción (con el alma toda) : en El Búho, Tacuarí 215. Domingos, a las 19. Carne sola (o Doña Rosita, el soltero) : En La Comedia, Rodríguez Peña 1062. Lunes, a las 21..


NOTA:
Francisco logra una atmósfera íntima y nostálgica con canciones que todos los que andamos por los 40 alguna vez escuchamos o son parte de nosotros. Logra combinar temas de diferente extracción como Piedra y Camino de Atahualpa Yupanqui, La Maza de Silvio Rodríguez, Media Verónica de Andrés Calamaro y Con el Agua en la Boca de Marilina Ross (que también son las que mas me gustaron), en un camino que no es mas que la “banda sonora de nuestras vidas”, por ser humilde y no ponerle “de mi vida” por considerar que estas canciones son de todos nosotros.
También encontró en su compañero pianista Ramiro Pettina un socio calmo y relajado que tiene todo que ver con este recorrido.
Ojalá mas músicos entendiéramos el concepto teatral, porque eso nos llevaría a ver (y no solo a escuchar) mejores shows, como este.
WALTER ABADIE

Nelly Omar hoy cumple 100 años

La cantante de tangos Nelly Omar, inmensa última sobreviviente de una generación dorada de artistas populares habitada por nombres como los de Tita Merello, Azucena Maizani, Libertad Lamarque y Ada Falcón, hoy cumple 100 años y promete un concierto para octubre en el Luna Park.

Nacida como Nilda Elvira Vattuone en la localidad bonaerense de Bonifacio pero inscripta y criada en Guaminí, donde vivió hasta los 11 años cuando fallece su padre y se traslada a Buenos Aires con su madre y 10 hermanos, Nelly Omar no es solo un nombre fundamental de la música popular argentina sino que materializa en la actualidad la pervivencia de una memoria afectiva ligada al primer peronismo.

Voz protagónica y central del tango y la canción criolla en las décadas del 40 y el 50, su adhesión al peronismo le valió proscripción y listas negras, estando prohibida en radios y teatros luego del golpe de Estado de la autodenominada Revolución Libertadora.

“Estuve 17 años sin trabajar porque me metieron en una lista negra impuesta por la revolución fusiladora, por ser peronista de Perón y amiga de Evita, una mujer con gran personalidad que se fue demasiado pronto cuando tenía mucho por hacer”, recordó años atrás en un reportaje con Télam. Y agregó: “Como feliz o desgraciadamente no tenía a nadie a quien darle de comer, porque no tengo hijos, me las fui arreglando sola. Pero claro, tuve que vender el piano”.

Bautizada en 1938 en Valentín Alsina “la Gardel con polleras”, gracias a una voz prístina, un fraseo claro, aguerrido, firme y sin afectaciones ni subrayados, Nelly Omar prefiere llamarse a sí misma “cantora nacional”.

Protagonista indiscutida de la historia musical de la Argentina y figura legendaria de un país que creció de pronto, cuando supo abrazarse al afecto de los humildes, Nelly Omar parece uno de esos personajes llamados a habitar para siempre la memoria inextinguible de su pueblo.

Definiendo a los capos del Tango

Pienso en los Capos del Tango y como definirlos con una palabra:
CARLOS GARDEL: IDOLO (lo mas grande, un todo)
ANIBAL TROILO: TANGO (con todo lo que ello implica)
ASTOR PIAZZOLLA: GENIO (un genio al servicio del tango y de toda la música)
OSVALDO PUGLIESE: ORQUESTA (el grandioso sonido de la típica)
HORACIO SALGÁN: FINEZA (la frutilla de la torta, también pensé en Sutileza y Perfección).
Walter Abadie

Greg Howe en Argentina

Greg Howe estará de visita por la Argentina para presentar su último trabajo “Sound Proof “, disco que fue aclamado por la prensa mundial. El guitarrista se presentará en esta ocasión junto al bajista Stu Hamm y el baterista Italiano Gianluca Palmieri, el jueves 8 de septiembre a las 20.30 hs. en el Teatro ND Ateneo. Precios: desde $120 a $200.

John Scofield en Argentina

NOTA
Nuevamente John Scofield dió acabadas nuestras de ser uno de los referentes del jazz mas importantes del mundo. Dueño de un sonido particular y cargado de historia abordó largas improvisaciones en cada tema que no duró menos de 10 minutos cada uno. Bill Steward también es maravilloso en su sonido y su trabajo desde la batería. Se lucieron los dos nuevos músicos de Scofield, el pianista Michael Eckroth y el contrabajista Ben Street, ambos tocaron poco y mucho cuando era el momento de hacer cada una de esas cosas, ambas siempre difíciles. En un show de dos horas exactas, incluyendo el bis, se pudo ver lo mejor del jazz. Muchas palabras mas no me salen pero disfruté muchísimo de esta 3º vez consecutiva que lo veo a John y lo sigo disfrutando.
Walter Abadie