Se va otra Estrella del Camino

Otro músico grosso que se va por estos días. :(
Para los que crecimos escuchando Deep Purple y enloquecimos con sus solos en Machine Head, va este reconocimiento para un grande del rock progresivo y heavy.
"Nos entristece anunciar la muerte de Jon Lord, de 71 años de edad, que hoy ha sufrido una embolia pulmonar fata en la London Clinic, tras una larga batalla con el cáncer de páncreas. Jon estaba rodeado por su familia", anunció su página oficial.

Murió Leda Valladares

Desde hace años la escritora, poeta y cantora tucumana de 93 años padecía mal de Alzheimer y vivía en un hogar de ancianos, en la Ciudad de Buenos Aires, donde falleció. Había nacido en Tucumán en 1919 y en su adolescencia comenzó a ser reconocida por sus composiciones de blues, boleros, baladas y canciones para niños, junto con María Elena Walsh.

Una de sus obras cumbre editadas entre los años 1960 y 1974 fue una serie de álbumes testimoniales y documentales, "Mapa musical argentino", a cargo del sello Melopea, de Litto Nebbia. Valladares tiene en su haber además inmortales obras de la talla de "Igual rumbo, grito en el cielo" (1989), "Grito en el cielo II" (1990) y la impecable "América en Cueros" (1992), por la cual fue declarada miembro de honor de la UNESCO.

Desde SADAIC indicaron que esperaban contactarse con los familiares de la artista para definir si su sepelio se realizaba de manera íntima o en una ceremonia pública organizada por la entidad.

Graduada en la Universidad Nacional de Tucumán con el título de profesora en Filosofía, también licenciada en Ciencias de la Educación, Valladares comenzó a destacarse desde joven en el ámbito de la música. Luego de incursionar en expresiones vinculadas al jazz, integró el grupo Folklóricos, Intuitivos, Originales y Surrealistas (FIJOS), para, en la década del '50, coincidir en París con la cantautora María Elena Walsh, con quien recorrió Argentina y Europa para presentar su obra.

León Gieco, por su parte, rescató que Valladares "siempre incito a hacer canto colectivo, que es lo que ella practicó en plena dictadura militar, cuando reunió cientos de chicos con maestras cantando bagualas y vidalas", y subrayó que fue "una de las transgresoras más grandes que tenemos".

Entre su discografía se destacan Chants d'Argentine (1954), con María Elena Walsh, Entre valles y quebradas, 1 y 2, ambos de 1957, Canciones del tiempo de Maricastaña (1958), y Canciones para mirar (1962), mientras que en cine participó de "El canto cuenta su historia" (1976).

Personalmente fue una gran influencia, me hizo incorporar y disfrutar esa genial música que son las bagualas y las vidalas, disfruto escucharlas e interpretarlas en las escuelas junto a mis alumnos de todas las edades; y saben que ¡¡les gusta!!

Walter Abadie

Chau Juan Alberto !! Nos seguirás haciendo compañía por siempre !!

CHICK COREA - STANLEY CLARKE & LENNY WHITE presentan "FOREVER" el Miercoles 6 de Junio a las 21 hs. en el Teatro Gran Rex

A la salida del concierto compartiendo con amigos

BUDDY GUY - Miércoles 16 de Mayo en el Gran Rex

NOTA

Increíble recital del maestro del blues de Chicago es el que el miércoles 16 presencié en un Gran Rex repleto como nunca, ya en la boletería estaba el cartel de Sold Out – Entradas Agotadas.
Acompañado por el virtuoso Rick Hall en guitarra, Marty Sammon en piano y órgano eléctrico, Orlando Wright en bajo y Tim Austin en batería, Buddy Guy ofreció un concierto marcado por el juego, el diálogo con el público, la exposición de una serie de recursos guitarrísticos superlativos y un registro vocal excepcional. Con una capacidad única para trabajar registros casi susurrantes y saber tocar y cantar cerca del silencio combinado con estridencias ensordecedoras aún dentro de un mismo tema, Guy desplegó todo su magnetismo. "Someone else is steppin", "Fever" y "74 Years Young", fueron algunos de los temas que Buddy Guy sacó del repertorio y con los que desplegó una artillería de recursos guitarrísticos y vocales sorprendentes. En el medio, realizó un tributo a los grandes guitarristas del género, discípulos que lo adoran y adoraron algunos, pares de viejas épocas otros, tocando partes de temas emblemáticos, imitando sus estilos, riendo y trayéndolos otra vez a la memoria. Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan, con un segmento de "Voodoo Chile", Albert King con "Blues Sunrise", BB King con la versión original de "Sweet Sexteen", "What I Say", de Ray Carles, "Miss You" de los Rolling Stones, la introducción de "Cocaine" de Eric Clapton, fueron los temas elegidos para un momento celebratorio.
"Going Down", "Skin Deep" y "Let me love you", fueron canciones que eligió para el cierre, en un concierto donde el publicó deliró con la esencia del blues y de la música en si.

Walter Abadie

BUDDY GUY en el Gran Rex el 16/05/12

ACERCA DE BUDDY GUY

“Cuando tenía 21 años”, dice Buddy Guy, “algunos de mis amigos más grandes, que hoy no están con nosotros, me decían: “Aún sos un nene”. Y luego ellos me dijeron lo mismo cuando tenía 31 y también a los 41, y pensaba “Hombre, ¿cuándo voy a envejecer?” Vengo escuchando eso desde la primera vez que fui a Chicago. Con este Nuevo álbum, “Living Proof”, Guy hace un análisis detallado de una vida extraordinaria. A los 74 años, fue galardonado y es parte del Rock And Roll Hall Of Fame, la mayor influencia en “titanes” del rock como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, un pionero del “Chicago´s West Side Sound” y un link viviente con los días felices de esa ciudad de blues eléctrico. Buddy ha recibido 5 Premios Grammy, 23 W.C. Handy Blues Awards (el mayor número de premios que cualquier artista haya recibido), distinguido por la revista Billboard con el Century Award por sus logros artísticos y el Presidential National Medal Of Arts. La revista Rolling Stone lo seleccionó en el Top 30 de los “100 Grandes Guitarristas de todos los Tiempos”. Sin embargo, como la primer canción del álbum declara, hoy Buddy Guy es “74 Years Young” (74 años joven), sigue buscando nuevos sonidos e ideas frescas. El inicio de cada nueva década siempre parece inspirarlo (ver 1981 Stone Crazy, 1991 Damn Right, I Got The Blues, y 2001 Sweet Tea), y en Living Proof, algunas canciones como “Thank Me Someday” y “Everybody´s Got To Go” son meditaciones personales sobre su pasado, su legado y su mortalidad. Guy dice: “La vida que viví es sobre lo que cantamos”. “Esas canciones son exactamente lo que pase a través de mi vida, lo que experimente”. Buddy le da créditos al productor/baterista Tom Hambridge (quien coescribió las canciones de Living Proof, y quien por su parte trabajo con artistas como Johnny Winter, Delbret McClinton, y Susan Tedeschi) ya que con su ayuda pudo capturar y preservar sus pensamientos más íntimos. “Venia con una libreta y un lápiz” dice el guitarrista, “y mientras hablábamos, el escribía cosas y le dije que hagamos canciones de esas palabras”. Aún herido por las restricciones que el legendario Chess Records le puso durante su juventud (“ellos decían que solía tocar muy ruidosamente, y no me dejaban soltarme como yo quería”), Guy también dice que su música se continua beneficiando desde el soporte de su compañía discográfica y del equipo que lo rodea. "Estos muchachos decían: “Es tu guitarra, tu estudio, solo tenes que ir y ser Buddy Guy” – y he estado tratando de hacer eso por 50 años” dijo Guy. “Tengo la libertad de tocar, con solamente yo para decirme, “Déjame intentarlo de nuevo”. Pensar que Buddy Guy será por siempre asociado con Chicago, pero su historia comienza en Louisiana. Uno de cinco hijos, el nació en 1936 en una familia de aparceros y criado en una plantación cerca de la pequeña ciudad de Lettsworth, ubicada a unas 140 millas al noroeste de New Orleans. Buddy solo tenía 7 años cuando creo su primera guitarra improvisada – un artilugio de 2 cuerdas unidas a un pedazo de madera y asegurada con las horquillas de pelo de su madre. En “Thank Me Someday”, el hace un recuento de sus primeros esfuerzos con el instrumento, y su habilidad para mantener la fe cuando su familia lo hecho de su casa por hacer ruido. “Voy a ir al parque, en el dique, a practicar” decía. “No teníamos luz eléctrica o agua corriente – podías escuchar esa guitarra a una milla de distancia, así que tenía que hacer un largo camino, lejos en donde nadie dijera “Ándate de acá con ese ruido!”. En 1957, llevo su guitarra hacia Chicago, donde cambiaria permanentemente la dirección del instrumento. Su estilo incendiario – aún se evidencia en todo “Living Proof” – deja su marca en guitarristas que van desde Jimmy Page a John Mayer. “Él fue para mí lo que Elvis haya sido probablemente para otra gente”, dijo Eric Clapton cuando Guy fue elegido para ser parte del Rock and Roll Hall of Fame en el año 2005. “Mi curso se estableció, y él era mi piloto”. Aunque el nombre de Buddy Guy estará siempre asociado con el Blues, estas canciones ilustran el verdadero rango de su manera de tocar. Canciones como “Much Too Soon” y el candente instrumental “Skanky” llegan directamente fuera de la tradición del rhythm & blues. Para Guy, sin embargo, tales distinciones de género son ideas de sentido de último momento. “Antes de los 60´s, siempre éramos solo interpretes de R&B,” dice Guy. “Luego ellos nos etiquetaron –eso era Chicago Blues, Memphis, Motown, por lo que fuimos considerados interpretes de blues. Pero en Chicago, si vos buscabas mantener tu actuación, tenias que ser capaz de tocar todos los temas principales de la rockola, eso era Lloyd Price o Fats Domino o Ray Charles. Ahora si vos tocabas una canción de Little Richard, la audiencia te miraba como si estuvieras loco, pero siempre tenía que hacerlo para el público negro en aquel entonces. Quizá la marca más significante en Living Proof es que por primera vez, el incomparable B.B. King se detuvo para tocar y cantar en un álbum de Buddy Guy. Los dos gigantes recitaron la introspectiva “Stay Around A Little Longer” como los viejos amigos que son – pero Guy aun no toma esa relación con el Rey del Blues por aceptada. “B.B. creo ese estilo que todos tocamos en la guitarra”, dice. “Crecí escuchando a gente como él, T-Bone, Wlaker, Muddy Waters, y todavía tengo el 95% de mi forma de tocar de él. Así que tener a alguien como el en el estudio hace que se te ponga la piel de gallina.” El otro invitado de Living Proof es Carlos Santana, quien se unió a Guy en la seductora “Where The Blues Begins.” Vale la pena destacar que él y Junior Wells hicieron el cover de la canción “Vera Cruz” de Santana hace más de tres décadas, Guy dice, “Cuando estoy tocando con alguien tan bueno, tengo que cerrar los ojos y decir, “Aquí voy!”. Al preguntarle que es lo que exactamente el considera a su disco “Living Proof”, Buddy Guy responde modestamente- el no menciona su talento o su influencia, sino que se concentra en su perseverancia. “Sabes la cantidad de tipos que empezaron conmigo y debieron abandonar?” dice Guy. “Mi primera esposa me dijo una vez, “Soy yo o tu guitarra”, y elegí mi guitarra y me fui. Aún nos reímos de ese episodio. “El otro día, escuche decir a B.B. King, “No puedo parar, porque todavía sigo pensando de que hay alguien allí afuera que aun no sabe quién soy. “Pero, sabes, los intérpretes de blues no paran, se dejan caer. Es como lo que mi madre solía decir acerca de la religión – Estoy demasiado lejos para dar la vuelta!”

John Zorn - Masada - en Buenos Aires

El genial saxofonista, compositor y arreglador llegará por primera vez a Sudamérica y realizará una única función en Buenos Aires el jueves 15 de marzo en el Teatro Coliseo junto a Masada, el grupo más emblemático de su extensa y prolífica carrera. El cuarteto está integrado por John Zorn en saxo, Dave Douglas en trompeta, Greg Cohen en contrabajo y Joey Baron en batería.

Sin dudarlo estamos en presencia de uno de los acontecimientos musicales del 2012 a partir del enorme prestigio que el músico neoyorquino fue acrecentando desde su álbum “The Big Gundown: John Zorn Plays the Music of Ennio Morricone” editado en 1985 por Nonesuch. Fue el creador de la denominada “downtown music” un verdadero movimiento de vanguardia que tuvo sus orígenes en los oscuros clubes de jazz de Nueva York como el mítico Knitting Factory y más tarde en Tonic.

Más allá de ser un brillante saxofonista, dueño de un estilo impar llegando a notas casi inalcanzables para cualquier otro intérprete calificado, es un compositor incansable que no deja de sorprender con obras maestras que entrega en sus variados proyectos que van desde el avanti garde, jazz, surf, hardcore, klezmer, jazz metal, free jazz, contemporánea, música de cámara, conciertos para piano, soundtracks, … Cada grupo representa una de las facetas estilísticas que Zorn fue desarrollando desde sus comienzos en la música: Naked City, Pankiller, Cobra, Bar Kokhba, Masada, Electric Masada, The Dreamers…En alguno de ellos solo se encarga de la producción y dirección musical y deja la ejecución en manos de los brillantes interpretes que siempre tuvo a su lado y que disfrutan trabajar bajo sus ordenes: Mike Patton, John Medeski, Marc Ribot, Bill Frisell, Fred Frith, Ikue Mori, Dave Douglas, Jamie Saft, Greg Cohen, Cyro Baptista, Uri Caine, Joey Baron, etc.

Su primer encuentro con la música judía se plasmó con la edición “Kristallnacht” (una representación musical de “La noche de los cristales rotos” ocurrida en Alemania en 1938 cuando los nazis atacaron los negocios y casas de la comunidad judía). Tiempo después fue uno de los fundadores y director del movimiento “Radical Jewish Culture” (Cultura Radical Judía) que preparó el camino para su nuevo proyecto: Masada, un grupo de jazz tomando como modelo el cuarteto original de Ornette Coleman.
El cuarteto acústico Masada es su obra maestra y un claro ejemplo de su búsqueda musical donde se conjugan la música judía de sus ancestros, el jazz y la improvisación. Para llevar adelante este proyecto seleccionó a músicos excepcionales que cuentan con la capacidad y el talento para integrarse en un combo imbatible dentro del jazz de los últimos tiempos. Hablamos de Dave Douglas, elegido en varias oportunidades como el mejor trompetista y músico de jazz del año, Greg Cohen, un virtuoso del contrabajo e integrante de la banda de Tom Waits, y Joey Baron, una verdadera aplanadora con su batería.

En la década del ’90 crea su propio sello Tzadik donde lleva editados más de 200 álbumes e incluye material original y provocativo de su autoría y de artistas que tienen su impronta creativa y de búsqueda permanente como Bill Laswell, Wadada Leo Smith, Steven Bernstein, Dave Douglas, Laurie Anderson, Lou Reed, Eyvind Kang ó Dave Douglas.

Charly García: Spinetta era además de un ídolo, un amigo

Charly García habló por primera vez después de la muerte de Luis Alberto Spinetta y aseguró que "era además de un ídolo, un amigo" y "la única persona dentro del rock a la que realmente admiraba". El músico consideró que Spinetta deja "un agujero casi imposible de llenar".
Luego de tocar en el festival de Cosquín Rock, donde lo homenajeó, García habló sobre su colega y afirmó: "Yo siempre tuve una gran admiración hacia él, fue uno de los primeros que me alentó cuando empecé en esto y con el tiempo, nos convertimos en grandes amigos".
En declaraciones a radio Mega 98.3, Charly señaló: "Ahora me siento un poco solo porque era la única persona dentro del rock que yo realmente admiraba, sin desmerecer a nadie, por supuesto. Pero me parece una cosa tremenda y deja un vacío".
García, que compuso "Rezo por vos" en dupla con Spinetta, destacó el aporte que el líder de bandas como Almendra y Pescado Rabioso hizo a la música local: "Fue un inventor, un tipo que agarró elementos de aquí y de allá, los fusionó para crear algo que no existía, la poesía del rock en castellano. A mí me inspiró mucho. Yo pienso que sin él hubiera sido todo distinto".
Por último, recordó la canción "Rezo por vos", que compusieron en conjunto, y la señaló como "un buen ejemplo de la unión" entre ambos. "Me parece un gran tema y tiene elementos míos y elementos de él. Creo que es el mejor ejemplo de la fusión, no?", resumió.

La Carta de Aznar: "Cambiaste nuestras vidas abiréndole camino a la imaginación"

Pedro Aznar tributó a Luis Alberto Spinetta, a través de su muro de Facebook en donde ubicó un extenso y sentido texto.

"Hoy todas las guitarras están de luto. La mía, que tendría que haberse puesto a repasar zambas sólo puede pensar en la tuya, tal vez porque el barro tal vez porque este balcón donde te vi casi por última vez mira una nube de la forma y el color de esas eléctricas con las que soñábamos de chicos.
Este balcón que se quedó... esperando una charla unas palabras o un abrazo más que ya no llegará. Luto también en las palabras habituadas como estaban a que les pusieras cascabeles guirnaldas asonantes o ruedas de tren apocalíptico caleidoscópicos ojos de fértil papel de tu prolífica pluma que suma y resta sílabas del metro patrón de las esferas apenas solas a solas penas.
Adiós que sea A-Dios a sus brazos a ese rincón de magia que seguramente El guardará para los que se animan a jugar con los bloques con los que ha construido el mundo haciendo pequeños nuevos mundos de cuatro minutos donde el corazón se muestra y baila desafiando al vacio.
Adiós mientras me duele el pecho te imagino en viaje por inmensidades más vastas que las del Capitán pero a diferencia de él sé que tendrás todos los tangos silbados al oído y nunca faltará un mate ni perfume a malvones En todos nosotros se queda un pedacito tuyo serás inspiración multiplicada por millares a lo largo de los años y lo ancho de las geografías.
Cambiaste nuestras vidas abriéndole camino a la imaginación cantándole salvaje o dulcemente a los misterios que nos habitan al misterio que somos. Adiós. No me resigno a tener que decirlo. Adiós mensajero del infinito".

CARTA PARA LUIS ALBERTO

Hoy es todo Luis Alberto, hoy en el dolor, pero hace 30 años que cada día de su música es felicidad, si, 30 años pasaron desde aquellos primeros momentos de mi adolescencia con mis primeros cassettes: una recopilación de Almendra, Pescado 2 y Bajo Belgrano y Mondo Di Cromo que recién salían; temas sueltos que me llegaban: Barro tal Vez, La Herida de París, etc.
Spinetta Jade presenta nueva formación y anticipa Madre en Años Luz, mi primer concierto, el corazón se me salía del lugar, para el bis (Ludmila) con la inocencia de la edad voy al pie del escenario, con esa misma inocencia y desverguenza de la edad voy a los camerinos y le pido al Flaco que me firme una foto, y el corazón se me salía, allí estaban Pomo, Epumer, Franov y el Mono Fontana pero solo tenía ojos para el Flaco aunque pocos años después esos músicos me llevarían por otros caminos. Luego de esa noche se transformaría en mi ídolo por siempre, si, por siempre, porque uno tiene ídolos de adolescencia pero él evolucionó permanentemente, nunca tuvo techo, así que mientras yo crecía él también lo hacía.
Pasaron los años y tuve todos los cassettes y discos, me acuerdo de los difíciles o muy caros como Alma de Diamante u Only Love Can Sustain; luego cuando llegó el cd también los tuve en ese formato.
Nunca me dejó de sorprender, siempre escuché todo, desde Almendra pasando por Jade, Pelusón, Don Lucero, Silver Sorgo… Así llega Un Mañana, su último disco, uno de los mejores.
A fines de 2010 pude verlo en el Teatro Colonial de Avellaneda donde tocó temas de todas sus épocas y donde pude rememorar y (ahora) cerrar el círculo de aquella primera presentación en el ex Cine Mitre de Avellaneda que tanto marcó mi vida.
Flaco: ¡¡Gracias por esos discos y esas canciones que me hicieron tan feliz durante toda mi vida!!

Walter Abadie